2 maggio Omaggio a Nando Cicero
3-6 maggio Cina: Il vecchio e il nuovo. Il cinema di Jia Zhang-ke
8-13 maggio Misteri d’Italia (seconda parte)
11 maggio Jole Silvani, la regina dell’avanspettacolo
15-17 maggio Donne: la vita al lavoro
15 maggio Al cinema con… filosofia: la donna oggi
18-19 maggio Sei film sull’amore
20 maggio Senza compromessi. Il cinema di Andrea Frezza
20 maggio Cinema muto, che passione!
22 maggio Orizzonti 1960-1978: il cinema umano non umano di Mario Schifano
23 maggio Musicisti dello schermo: Enzo Masetti
24 maggio La sottile linea rosa 3. Appuntamenti con il cinema delle donne
Lavorare stanca
25-27 maggio Omaggio a Tonino Guerra
29-31 maggio Carmelo Bene. Il cinema, oppure no

martedì 1
chiuso

mercoledì 2			
Omaggio a Nando Cicero
Il giovane aitante Fernando (Nando) Cicero nasce come attore al Centro Sperimentale di Cinematografia. Recita solo in parti minori negli anni Cinquanta (Senso, 1954; Andrea Chénier, 1955; Ercole e la regina di Lidia, 1959) e nei primi anni Sessanta (Vanina Vanini, La steppa, Salvatore Giuliano). Ma intanto prova a passare dietro la macchina da presa come aiuto di Luchino Visconti ne Le notti bianche (1956), poi come aiuto di Francesco Rosi nello stesso Salvatore Giuliano e ne Le mani sulla città (1963), insieme all’amico di sempre, l’aiuto-regista Roberto Pariante. Sulla base di un suo soggetto e sceneggiatura esordisce alla regia con Lo scippo (1966), senza troppo successo. Passa al genere western, dove dirige tre film, giocati sugli eccessi di violenza e di sesso, con connotazioni del tutto personali, che vanno dal sarcastico all’inquietante, fino al pessimismo amaro. Il primo Il tempo degli avvoltoi si afferma come cult movie per le scene pulp e di nudo integrale. Anche se gli ultimi due sono di un produttore, Jaime Jesús Balcázar, che inventa e sceneggia le storie, Cicero riesce con il suo onesto e duro lavoro artistico a farle proprie. Come accadrà spesso nella storia della sua carriera, costellata di produttori creativi, che avevano bisogno di un “occhio” esperto e di una “mano” salda per arrivare, con successo, alla fine delle riprese. Nel 1970 si cimenta con il genere comico, che furoreggia ai botteghini, e per la produzione di Luigi Rovere dirige Franco Franchi e Ciccio Ingrassia in Ma chi t’ha dato la patente su una squinternata scuola guida. Continua il proficuo sodalizio con i due comici, con un film a grosso budget, preparato appositamente per loro da una schiera di sceneggiatori (Benvenuti, De Bernardi, Scarnicci e Vianello) con i quali collabora. Il film Armiamoci e partite su due italiani, naturalizzati francesi, e mandati nelle trincee della Marna durante la prima guerra mondiale, permette al regista, con un periodo di lavorazione doppia rispetto allo standard del momento – ma le riprese avvennero vicino Roma –, di usare situazioni da humour nero, condite di nonsense e di equivoci assurdi, ripresi dal cinema americano negli anni Novanta con grande successo (Weekend con il morto e vari sequel). Nel 1973 il suo film più famoso: Ultimo tango a Zagarol, parodia di Ultimo tango a Parigi di Bernardo Bertolucci, con la storia scritta dal produttore Mario Mariani, insieme a Marino Onorati, con Franco Franchi senza il compagno di sempre. Dopo un altro film con Franco Franchi, parodia dei film in voga sul kung-fu, Ku-fu? Dalla Sicilia con furore, la carriera di Nando Cicero vira verso il filone della commedia sexy, con Bella, ricca, lieve difetto fisico, cerca anima gemella, con Aldo Giuffré e Marisa Mell, sceneggiata insieme a Sandro Continenza. Ma è solo nel 1975 con L’insegnante, che inizia il sodalizio con il produttore Luciano Martino e con la bella ed esuberante Edwige Fenech, dando un grande contributo all’ascesa dell’eroticomico italiano con peculiari caratteristiche, replicate da molti altri registi. Furoreggiano, nelle sue numerose pellicole di genere sulle insegnanti, dottoresse, soldatesse e assistenti sociali, i migliori comprimari del cinema dell’epoca: Vittorio Caprioli, Renzo Montagnani, Carlo Delle Piane, Alvaro Vitali, Leo Gullotta, Lino Banfi, Mario Carotenuto, Gianfranco D’Angelo, ecc.. Poi sarà la volta di altre icone sexy come Nadia Cassini, Gloria Guida, Carmen Russo. Fino ad arrivare a W la foca (1981), storia, cosceneggiata con il produttore Galliano Juso, su un’infermiera veneta (Lory Del Santo) che arriva a Roma in casa di un dottore (un irresistibile Bombolo) con una strana famiglia di erotomani, vince una foca in un concorso e finisce direttrice di una clinica dimagrante. Il film, vero ultimo atto del filone eroticomico, girato in presa diretta, è una scoppiettante quanto surreale serie di eventi improbabili e stranianti, infittito di sketch e dialoghi stralunati quasi in piena balìa degli attori. Pellicola ormai fuori tempo, sequestrata, per il titolo inequivocabilmente scatologico, dopo solo due settimane di programmazione, non è più rientrata nei circuiti cinematografici.
L’ultimo film di Nando Cicero è l’ennesimo cult, Paulo Roberto Cotechino centravanti di sfondamento, sceneggiato insieme al produttore Luciano Martino, con Alvaro Vitali che fa il verso a Falcao e Maradona. Nel 1992 Nando Cicero, con una produzione televisiva, cerca di girare una serie tv intitolata Europa Connection, ma le difficoltà incontrate nel girare le riprese e la carenza di aiuti materiali e finanziari lo fanno desistere amaramente da quest’ultimo progetto, di cui rimangono solo due puntate.
L’introduzione e le schede sono di Pino Moroni

ore 17.00
L’insegnante (1975)
Regia: Nando Cicero; soggetto: Tito Carpi; sceneggiatura: T. Carpi, Francesco Milizia; fotografia: Giancarlo Ferrando; scenografia e costumi: Elio Micheli; musica: Piero Umiliani; montaggio: Daniele Alabiso; interpreti: Edwige Fenech, Vittorio Caprioli, Alfredo Pea, Mario Carotenuto, Carlo Delle Piane, Alvaro Vitali; origine: Italia; produzione: Devon Film, Medusa Distribuzione; durata: 88’
Quando Nando Cicero incontra nel 1975 il produttore Luciano Martino, mentore della bella e sensuale Edwige Fenech, l’attrice aveva già interpretato Quel gran pezzo della Ubalda tutta nuda e tutta calda (1972) e Giovannona coscialunga disonorata senza onore (1973), due film fondamentali della commedia sexy italiana. Cicero con l’aiuto di Tito Carpi e Francesco Milizia inizia a far entrare il genere erotico nelle stanze più popolari della vita quotidiana: la scuola, la caserma, l’ospedale, il distretto di polizia. Dove la spigliata tuttacurve Fenech e altre icone sexy si mostrano seminude (o nude) ai migliori caratteristi del cinema italiano (Renzo Montagnani, Alvaro Vitali, Lino Banfi, ecc.), che si identificano poi con l’italiano medio, giovane voyeur, sposato, alla ricerca di avventure piccanti. L’insegnante questa volta “viene a casa” dell’onorevole siciliano (Vittorio Caprioli) Mottola (che riecheggia il Nottola di La mani sulla città, in cui Cicero era aiuto regista di Francesco Rosi), per dare lezioni di greco al figlio (Alfredo Pea), in cerca della sua prima esperienza sessuale. Il film, con una fotografia luminosa e patinata, del direttore della fotografia Giancarlo Ferrando, fa assurge la professoressa Fenech, con inquadrature sognanti, pruriginose e voyeuristiche, ad oggetto del desiderio dell’immaginario collettivo. Con interessanti e gustose partecipazioni al cast di Enzo Cannavale, il bidello, Gianfranco D’Angelo, il professore di fisica e Mario Carotenuto, il preside. 

ore 18.45
Lo scippo (1966)
Regia: Nando Cicero; soggetto e sceneggiatura: N. Cicero, con la collaborazione di Alessandro Continenza; fotografia: Franco Villa; scenografia: Demofilo Fidani; costumi: Mila Vitelli, Nadia Vitelli; musica: Piero Umiliani; montaggio: Maurizio Lucidi; interpreti: Paolo Ferrari, Gabriele Ferzetti, Annette Stroyberg, Margaret Lee, Mario Pisu, Enrico Maria Salerno; origine: Italia; produzione: Italcine T.V.; durata: 94’
Speranza, una zitella impiegata presso la società del commendatore Frascà, entra in una banca per riscuotere un grosso assegno che, in assenza del direttore Filippo Gambetti, le viene pagato dal ragioniere Linzalone. Uscendo dalla banca, Speranza è aggredita da un giovane che, dopo averle strappato la borsa contenente il denaro, fugge con un complice su una motocicletta. I fuggitivi, però, entrano in collisione con la lussuosa macchina sulla quale viaggiano il direttore Gambetti e Luciana, la moglie di Frascà. «Opera d’esordio di un regista nella quale si trova già sintetizzata “teoricamente” la scatologia dell’economico, che fa capire come Ultimo tango a Zagarol potesse diventare una parodia più radicale del modello. La sequenza più volte variata nei film di colpi grossi, del bottino beffardamente perduto, diventa qui, visibilmente, lo scarto scatologico di una società fondata sull’economia (cinema compreso)» (Germani).

ore 20.30
Incontro moderato da Pino Moroni con Leila Cicero, Ugo Fangareggi, Marco Giusti, Galliano Juso

a seguire
Ultimo tango a Zagarol (1973)
Regia: Nando Cicero; soggetto: Mario Mariani; sceneggiatura: Marino Onorati; fotografia: Luciano Trasatti; scenografia: Alberto Boccianti; costumi: Enrico Fiorentini; musica: Ubaldo Continello; montaggio: Sandro Peticca, interpreti: Franco Franchi, Martine Beswick, Gina Rovere, Nicola Arigliano, Franca Valeri, Ugo Fancareggi; origine: Italia; produzione: Cinemar; durata: 98’
Nel panorama dei film parodia, Ultimo tango a Zagarol si distingue, perché non ricalca o ricopia un film originale di successo, Ultimo tango a Parigi, e lo beffeggia con le arti della vis comica o della metafora linguistica. Nando Cicero mantiene il film su un piano alto, quasi intellettuale, ben calibrato e pensato come fosse un film autoriale. Dopo aver diretto Franchi, ormai solista, nel Ku-fu? Dalla Sicilia con furore (1972), per Cicero si presenta l’occasione di investirlo in un ruolo che, senza fargli perdere la sua innata comicità, lo riconducesse a una recitazione trattenuta, composta e allo stesso tempo complessa, in grado di far emergere tutte le sue capacità attoriali nascoste. Ne è venuto fuori un film, in se stesso originale (fuori dai generi in voga), che alterna momenti di intensa recitazione a momenti di “divertissement” raffinato e surreale. Franco Franchi, con il cappotto di cammello o solo con indumenti intimi, riesce a dare corpo, con una sottorecitazione intimista di spessore (voluta da Cicero), a un personaggio ignavo dei tempi presenti, stupito, pensoso e sconsolato. Mentre Nando Cicero raccoglieva i consensi di un pubblico meno popolare e più colto (tra gli altri, si dice, Francis Ford Coppola, Robert De Niro e Goffredo Fofi), per Franco Franchi si è trattato certamente di una delle sue migliori interpretazioni.
Ingresso gratuito

3-6 maggio
Cina: Il vecchio e il nuovo. Il cinema di Jia Zhang-ke
Il Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale, la Cineteca di Bologna, il Museo Nazionale del Cinema di Torino, l’Associazione Circuito Cinema di Modena, la Cineteca Sarda e il Centro Espressioni Cinematografiche di Udine propongono la personale di uno dei maestri del cinema cinese contemporaneo: Jia Zhang-ke. Jia Zhang-ke è universalmente considerato il rappresentante di maggior rilievo della cosiddetta Sesta Generazione del cinema cinese. I suoi film analizzano con straordinaria efficacia i processi di trasformazione in atto nella Cina di oggi. Fin dagli esordi, Zhang-ke ha posto al centro della propria ricerca alcuni dei temi che animano il dibattito sul presente e sul futuro del colosso asiatico: la fine dell’ideologia maoista, l’apertura alla cultura occidentale, l’introduzione del modello capitalistico in una versione riveduta e corretta, la gestione dell’ambiente, la nascita di nuove classi sociali. Il suo cinema ha saputo cogliere con estrema acutezza i caratteri più incisivi della nuova “lunga marcia” cinese ed ha progressivamente composto un affresco tanto affascinante quanto problematico della tumultuosa crescita di questo Paese. 
Jia Zhang-ke nasce a Fenyang, una cittadina della provincia settentrionale di Shanxi solcata dal Fiume Giallo. Studia pittura, si interessa di letteratura e pubblica il suo primo romanzo, appena ventenne, nel 1991. Due anni dopo entra all’accademia di cinema di Pechino, dove fonda il gruppo cinematografico sperimentale giovanile, la prima organizzazione indipendente del genere in Cina. Con il gruppo realizza due video che ricevono, entrambi, un premio. Dopo il diploma dell’accademia, nel 1997, gira il primo lungometraggio, Xiaowu (1998). Il film vince due premi al Festival di Berlino, ma il governo cinese lo censura in patria perché troppo “crudo” nei confronti della Cina contemporanea. Inizia quindi una collaborazione con Takeshi Kitano che porta al suo secondo lungometraggio, Zhantaii (2000). Anche questo film vince molti premi (uno dei quali a Venezia) e si distingue per il coraggio con cui descrive la Cina degli Anni Ottanta. Il film che colloca definitivamente Jia Zhang-ke tra i protagonisti del cinema contemporaneo è Still Life, con il quale vince il Leone d’oro al Festival del Cinema di Venezia. Da questo momento la sua produzione, che continua ad alternare fiction e documentario, diventa ancora più ambiziosa, e l’accento si sposta dalla provincia al cuore del nuovo impero. Con 24 City e soprattutto con I Wish I Knew al centro dell’indagine del regista entra Shanghai, la metropoli che divora il proprio passato e diviene il simbolo di una Cina irriconoscibile anche per i propri abitanti. Si può senz’altro sostenere che il cinema europeo abbia molto influenzato Jia Zhang-Ke e si potrebbero citare in proposito sia Godard che Bresson, sia De Sica che Pasolini e Antonioni. Ma è fuori discussione che il regista di Fenyang abbia progressivamente consolidato uno stile personale e inconfondibile, coinvolgente e distaccato allo stesso tempo, realistico e contemplativo, asciutto e fluido, figurativamente affascinante, assolutamente originale nell’approccio a personaggi, situazioni e ambienti. 
La personale pressoché integrale di Jia Zhang-ke che proponiamo costituisce un evento inedito per l’Italia, e colma senz’altro una lacuna dei circuiti distributivi, che con l’eccezione di Still Life non hanno voluto proporre, fino ad oggi, al pubblico del nostro Paese alcuno dei suoi film. 
La retrospettiva Jia Zhang-ke è stata ufficialmente inserita dalla Commissione Europea tra gli eventi correlati al progetto “2012 Anno del Dialogo Interculturale UE-Cina” (http://ec.europa.eu/culture/eu-china/related-events_en.htm); il progetto, curato e coordinato dalla C.E. e dal Ministero della Cultura cinese, ha lo scopo di promuovere e rafforzare il dialogo interculturale e la comprensione reciproca attraverso scambi culturali e contatti people-to-people che si terranno negli stati membri dell’Unione Europea e in Cina, di sviluppare la cooperazione tra istituzioni e organizzazioni culturali europee e cinesi, di stabilire un confronto continuativo su argomenti di comune interesse.
Proiezioni in lingua originale con sottotitoli in italiano, ad eccezione di Sanxia Haoren (Still Life), presentato in versione italiana

giovedì 3
ore 17.00
Xiao Wu (Pickpocket, 1998)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; montaggio: Xiao Ling Yu; interpreti: Hong Wei Wang, Hao Hongjian, Zuo Baitao, Liu Junying, Yonghao Liang; origine: Cina; produzione: Hu Tong Communications, Radiant Advertising Company; durata: 105’
Xiao Wu è un ladruncolo di città, sempre nei guai e innamorato di una prostituta. Dopo un’epifania, decide di rompere con la sua vita da criminale, ma deve scoprire come farlo. Primo lungometraggio del regista di Fenyang, censurato dal governo cinese, riscuote grande successo commerciale. Il film, che evoca il Pickpocket di Bresson, è realizzato con un budget limitato, una camera da 16 mm e un cast di attori non professionisti; si costruisce intorno alla figura di un anti-eroe, moderno inetto, che prova con difficoltà a misurarsi con il cambiamento, in un contesto come quello della Cina di fine millennio, in cui due decenni di riforme iniziano a produrre aperture e novità. Festival di Berlino: Netpac Award, Wolfgang Staudte Award. Vincitore dei festival di Nantes, Pusan e Vancouver.

ore 19.00
Zhantai (Platform, 2000)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; scenografia: Qiu Sheng; costumi: Qi Lei, Zhao Xiafei; musica: Yoshihiro Hanno; montaggio: Jinglei Kong; interpreti: Wang Hong Wei, Zhao Tao, Liang Jing Dong, Yang Tian Yi, Wang Bo, Song Yongpin; origine: Hong Kong, Giappone, Francia, Cina; produzione: Hu Tong Communications, T-Mark, Artcam International, Bandai International, Office Kitano; durata: 154’
Inverno 1979, in un piccolo villaggio dello Shanxi (una provincia cinese lontana dai grandi centri) viene portata in scena dalla compagnia culturale locale una rappresentazione della piéce teatrale Treno diretto a Shaoshan (la città natale di Mao). La vita di quattro ragazzi si lega intimamente alle sorti del gruppo teatrale di cui fanno parte. Attraverso un affascinante senso del tempo che scorre, dal 1979 al 1989, il film sembra muoversi alla ricerca di una pagina storica fondamentale nella Cina, attraverso le vicende di un piccolo gruppo, emblema di un’intera generazione, consapevole degli spiragli e delle possibilità in una società fino ad allora ermeticamente chiusa. Resoconto di prima mano della storia contemporanea di un Paese in tumultuosa trasformazione. Vincitore dei Festival di Nantes e Singapore. Netpac Award al Festival di Venezia.

ore 21.45
Ren Xiao Yao (Unknown Pleasures, 2002)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; scenografia: Jiang Dong Liang; montaggio: Keung Chow; interpreti: Zhao Tao, Wei Wei Zhao, Qiong Wu, Qing Feng Zhou, Hong Wei Wang, Ru Bai; origine: Giappone, Francia, Corea del Sud, Francia; produzione: Office Kitano, Lumen Films; durata: 113’
In una città della Cina settentrionale, prossima al confine mongolo, Xiao Jin e Bin Bin sono due amici diciannovenni che sperperano le giornate delle loro giovinezze in un tedioso far niente. Xiao Jin è però innamorato della pop star locale Qiao Qiao, e la sua ostinazione rischia di far breccia nella solitudine della ragazza. Bin Bin spera di entrare nell’esercito – ma verrà riformato per un’epatite – e di salvare la sua storia con una studentessa, ma quest’ultima dovrà trasferirsi per continuare gli studi. Terzo film di Jia Zhang-ke, quasi la conclusione informale di una trilogia sulla trasformazione della società cinese: i personaggi di Unknown Pleasures, nutriti di cultura cinese quanto occidentale, rappresentano il nuovo modello antropologico della Repubblica Popolare, attraverso lo schermo dei media e di internet. Vincitore del Festival di Singapore. In concorso al Festival di Cannes.

venerdì 4
ore 17.00
Shijie (The World, 2004)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; scenografia: Wu Li-Zhong; musica: Liam Giong; montaggio: Jinglei Kong; interpreti: Zhao Tao, Cheng Taisheng, Jing Jue, Wang Yi-Qun, Wang Zhong-wei, Liang Jing Dong; origine: Cina; produzione: Office Kitano, Xstream Picture, Lumen Films; durata: 140’
Tao lavora al World Park, dove si possono visitare riproduzioni dei più famosi monumenti del pianeta. Lei e il suo fidanzato, una guardia del parco, si sono trasferiti lì dalle province settentrionali. Nei sogni e nei giochi che offre il World Park, Tao riesce a ritardare l’inizio della vita da adulta. Prima opera girata con l’approvazione del governo cinese e lontano dalla provincia natia. Il film, nato dopo l’esperienza di alcuni anni passati a Pechino, vuole dar voce all’idea della capitale come world city. Con una novità di ambientazione, nel panorama della produzione di Zhang-ke, questo passaggio dalla piccola città alla metropoli insegue il desiderio, dichiarato dal regista stesso, di «catturare la nostra ricerca dell’anima». Premio della critica al Festival di San Paolo. In concorso al Festival di Venezia.

ore 19.30
Sanxia Haoren (Still Life, 2006)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke, Sun Janmin, Guan Na; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; scenografia: Liu Qiang, Liang Jindong; musica: Lim Giong; montaggio: Jinglei Kong; interpreti: Zhao Tao, Han Sanming; origine: Cina/Hong Kong; produzione: Xstream Pictures, Shanghai Film Group; durata: 111’
Il vecchio villaggio di Fengjie è stato abbandonato a causa della costruzione di un’immensa diga; completamente sommerso, senza che il nuovo quartiere sia completato, fa da sfondo alle due storie del film: un minatore, dopo 16 anni, torna al paese in cerca dell’ex moglie; l’infermiera Shen Hong ricerca il marito, scomparso da due anni. In un luogo che appare come sospeso, si dispiega la visione della vecchia Cina in fase di smantellamento, con uno spirito che viaggia in cadenze malinconiche, permettendo allo spettatore di riflettere e di commuoversi per la demolizione di un mondo che ancora conservava valori e tradizioni. La camera segue il tono emotivo, sempre contenuto, della vicenda, accordandosi ai sentimenti dei due protagonisti che mai urlano il proprio dolore. Vincitore alla Mostra del Cinema di Venezia, dell’Asian Film Award, del Festival di Durban e di Los Angeles. Nastro d’argento.

ore 21.30
Intervista a Ja Zhang-ke (2012, 27’)
Intervista a cura di Lorenzo Codelli, Andrea Morini, Alberto Morsiani realizzata il 30 marzo via skype. La traduzione è di Chen Qianqian. Il regista racconta non solo il suo cinema ma anche un paese così complesso e variegato come la Cina.

a seguire
Dong (2006)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: J. Zhang-ke, Nelson Yu Lik-wai, Tian Li, Chow Chi Sang; musica: Lim Giong; montaggio: Jinglei Kong; origine: Cina; produzione: Xstream Pictures; durata: 66’
Jia Zhang-Ke segue il pittore Liu Xiaodong in uno dei suoi viaggi alla ricerca di nuovi soggetti da dipingere. È l’occasione per conoscere, anche umanamente, questo artista e, al tempo stesso, un ottimo pretesto per portare avanti il discorso di maggiore interesse: la situazione dell’odierna Cina e dei suoi abitanti, nelle piccole città, nelle zone rurali e industriali. Dall’attenzione verso la pittura di Liu, lentamente prende corpo la denuncia sociale, in un documentario strettamente connesso a Still Life per ambientazione e tema. Premio dei documentaristi italiani alla Mostra di Venezia.

sabato 5
ore 17.00
Wuyong (Useless, 2007)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai, J. Zhang-ke; musica: Lim Giong; montaggio: Jia Zhang; origine: Cina; produzione: Xstream Pictures, Mixmind Art & Design Co., LTD, China Film Association; durata: 80’
Useless nasce dal desiderio di raccontare l’unico, l’irripetibile gesto creativo di una stilista cinese che ha deciso di sfidare le regole del mercato della moda. Questo “falso” documentario che si immerge negli anfratti esistenziali e visivi di fabbriche ed industrie tessili, per riemergere fra i chiaroscuri di un teatro parigino o nel “controcampo” di capanne e paesaggi rurale, è anche il secondo dedicato agli artisti, dopo Dong. Il risultato è un’immagine politica che si serve delle mutazioni spaziali per osservare la disintegrazione materiale e storica di un paese. Estetica-etica-politica: è questo l’iter tracciato dalla macchina da presa di Zhang-ke, per una rappresentazione non convenzionale di una Cina in metamorfosi. Vincitore del Premio Orizzonti alla Mostra di Venezia.

ore 18.30
Er shi si cheng ji (24 City, 2008)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke, Zhai Yongming; fotografia: Nelson Yu Lik-wai, Wang Yu; musica: Lim Giong, Yoshihiro Hanno; montaggio: Lin Xudong, Kong Jinlei; interpreti: Joan Chen, Zhao Tao, Lv Liping, Chen Jianbin, He Xikun, Wang Zhiren; origine: Cina; produzione: Xstream Pictures, China Resources Co., Shanghai Film Group Corporation, Present, Office Kitano, Bandai Visual, Bitters End; durata: 112’
A Chengdu, la capitale del Sichuan, una vecchia fabbrica sta per essere demolita. Al suo posto verrà costruito un complesso residenziale di lusso: “24 City”. Sullo sfondo di questa trasformazione urbana si confrontano tre generazioni, tra nostalgia del passato, speranze e ambizioni: i vecchi operai, i nuovi ricchi e i giovani, attraverso racconti che spaziano dai tempi della guerra in Corea fino ai giorni nostri, passando per la Rivoluzione culturale e per la modernizzazione degli anni Ottanta. La grandezza di Jia Zhang-ke si misura soprattutto nella capacità di usare un palcoscenico inusuale, nella sapiente manipolazione degli spazi, nella creazione di immagini che sanno raccontare con forza impetuosa una storia di sacrifici e di nostalgia, di ideologia e di trasformazione. In concorso al Festival di Cannes.

ore 20.30
Hai shang chuan qi (I Wish I Knew, 2010)
Regia: Jia Zhang-ke; soggetto e sceneggiatura: J. Zhang-ke; fotografia: Nelson Yu Lik-wai; musica: Lim Giong; montaggio: Jia Zhang; interpreti: Zhao Tao, Lim Giong, Lin Xudong; origine: Cina; produzione: Shanghai Film Group Corporation, Xstream Pictures, NCU Group LTD, Start Art Vision, Bojie Media; origine: Cina; durata: 125’
In seguito alla vittoria dei comunisti nel 1949, migliaia di abitanti hanno abbandonato Shangai per Hong Kong e Taiwan. Chi è partito si è separato da casa per trent’anni; mentre chi è rimasto ha dovuto subire la Rivoluzione Culturale e gli altri disastri politici cinesi. Diciotto persone ricordano le loro vite a Shangai: le loro esperienze personali, come diciotto capitoli di un romanzo, narrano una storia particolare della città, tra gli anni Trenta ed il 2010. Un film sulla storia di Shanghai attraverso le vite di alcune persone può sembrare strano a un pubblico straniero, difficile da penetrare nella sua ispirazione, ma le esigenze di Jia Zhang-ke sono molto simili a quelle che lo aveva animato nei primi lavori. Un film sovversivo poiché tenta, con le stesse parole del regista, «un lavoro di riempimento di un vuoto, perché molti degli eventi narrati non possono essere discussi, n’è consentito farli emergere». In concorso al Festival di Cannes. Vincitore del Festival di Dubai.

domenica 6
ore 17.00
Zhantai (replica)

ore 20.00
Sanxia Haoren (replica)

ore 22.00
Dong (replica)

lunedì 7
chiuso

8-13 maggio
Misteri d’Italia (seconda parte)
Nel manifesto di un piccolo film del 1994, Strane storie. Racconti di fine secolo di Sandro Baldoni, campeggia un’immagine tanto surreale quanto inquietante: quella di un enorme squalo che, come piombato dal cielo, presenta la testa conficcata nella carcassa di un vagone dell’Italicus, il tristemente famoso treno Roma-Monaco di Baviera devastato da una bomba stragista il 4 agosto 1974. Per questa come per altre oscure vicende degli ultimi decenni non sono mai stati condannati i responsabili.
Una “strana storia” dunque, al pari dei fatti relativi a Portella della Ginestra, Piazza Fontana, Brescia, Ustica, Bologna o, ancora, ai tentati golpe De Lorenzo e Borghese, ai “casi” Mattei, Moro, Ambrosoli, Pasolini, fino alle stragi terroristiche della mafia degli anni Novanta e, ancora, al G8 di Genova. Si tratta di vicende che appartengono al contesto dei cosiddetti “misteri d’Italia”: nodi inestricabili di un passato/presente che la rassegna intende ripercorrere indagandone la rappresentazione fornita dal cinema. 
Proseguendo l’itinerario proposto nell’autunno del 2010 con la prima, fortunata, parte di questa retrospettiva, si vuole dunque ripartire dal punto in cui si era arrivati, adottando nuovamente uno sguardo ad ampio raggio, capace di rendere conto tanto del cinema d’autore quanto di quello di genere, ma anche dei casi più rilevanti di una produzione documentaria che, non di rado, si è occupata di questioni cruciali lasciate inesplorate dalle opere di cosiddetta fiction.
Questa seconda sezione della rassegna prende in considerazione la trattazione cinematografica del periodo compreso tra la strage di Ustica (il caso dell’eccidio alla stazione di Bologna non compare in quanto già inserito, per esigenze organizzative, nella prima parte) e la morte di Ilaria Alpi, proponendo tutta la variegata produzione incentrata sul nodo P2-Calvi-Sindona-Mafia. Oltre alla scelta di un caso a sé come Prova d’orchestra di Federico Fellini, il programma presenta poi alcune opere di recentissima produzione incentrate su eventi antecedenti al periodo preso in esame.  
La rassegna dei film, come da tradizione, sarà integrata da una serie di incontri e di presentazioni di libri attraverso i quali si intende ampliare le sollecitazioni offerte dal materiale filmico nella speranza di fornire ulteriori elementi funzionali a mantenere sempre vivo ciò che l’ex magistrato Gherardo Colombo ha definito il «vizio della memoria»…
Retrospettiva a cura di Christian Uva
 
martedì 8 
ore 17.00 
4 agosto ’74. Italicus, la strage dimenticata (2011)
Regia: Alessandro Quadretti; soggetto e sceneggiatura: Domenico Guzzo, A. Quadretti; ricerca storica: D. Guzzo; fotografia e montaggio: A. Quadretti; interpreti: Yasutaka Shibata, Marco Celli, Nicolò Sirotti, Roberto Mercadini, Savino Paparella, Daniele Biacchessi; origine: Italia; produzione: Officinemedia; durata: 128’
Il documentario si fonda sull’impiego di numerose interviste, filmati/foto d’epoca e ricostruzioni di “fiction” funzionali a far sì che l’analisi e la ricostruzione storica dialoghino con uno sguardo “privato”, volto a raccontare i riflessi più intimi dell’evento terroristico: il ritmo del montaggio scandisce un continuo e ideale dialogo tra la sfera prettamente politico/storica (studiosi, magistrati, giornalisti, ex-terroristi, materiale d’archivio del tutto inedito) e quella umana (ricostruzione del vissuto di alcune vittime, ricordi dei parenti, foto da archivi privati e famigliari).
Tra le storie delle 12 vittime di quell’attentato risaltano in maniera particolare quelle della famiglia Russo (morirono padre, madre e un figlio; altri due figli rimasero gravemente ustionati), del turista giapponese Fukada Tsugufumi e del ferroviere forlivese Silver Sirotti, medaglia d’oro al valor civile e morto a 24 anni nel tentativo di soccorrere i passeggeri e spegnere le fiamme con l’estintore. Le loro voci nei giorni e negli attimi precedenti la tragedia, interpretate da attori, restituiscono nel modo più diretto e sensibile la dimensione del dramma personale.
Ingresso gratuito

ore 19.15 
I primi della lista (2011) 
Regia: Roan Johnson; soggetto: Renzo Lulli; sceneggiatura: Davide Lantieri, R. Johnson, con la collaborazione di R. Lulli, supervisione di Francesco Bruni; fotografia: Tommaso Borgstrom; scenografia: Mauro Vanzati; costumi: Andrea Cavalletto; musica: Ratchev & Carratello; montaggio: Marco Guelfi; interpreti: Claudio Santamaria, Francesco Turbanti, Paolo Cioni, Sergio Pierattini, Daniela Morozzi, Fabrizio Brandi; origine: Italia/Francia; produzione: Palomar, Urania Pictures, Rai Cinema, Rectangle Productions; durata: 85’
«I primi della lista trasformano in oro il “piombo” dei favolosi anni 70, e fa luccicare la stagione delle lotte operaie e studentesche con tenerezza, humour e nostalgia. Esordio alla regia dello scrittore-sceneggiatore Roan Johnson, classe ’74, nato a Londra da padre inglese e madre italiana, il film ripercorre la storia vera del liceale Renzo Lulli (Francesco Turbanti) che si trovò nel mezzo dell’Italia nera, quella sì di piombo, tra la strage di piazza Fontana e l’assassinio dell’anarchico Pinelli. Immagini d’epoca scorrono nel bianco e nero della Grecia dei colonnelli, e inquadrano l’avventura del liceale e dei suoi amici, Fabio Gismondi (Paolo Cioni) e Pino Masi (Claudio Santamaria), cantautore, in fuga verso il confine. [...] Magnifici Turbanti e Cioni al loro primo film, e, come sempre, impareggiabile Santamaria nella parte del “leader”, che poi, nei titoli di coda, incontreremo insieme agli altri veri protagonisti della storia, tutti finiti volontariamente ai “margini”. Piccolo, imperdibile film italiano, riuscito a divincolarsi dalla morsa della Rai, (co-produttrice insieme a Urania Pictures e Palomar) che avrà visto solo tre compagni “sciocchi” cantare “Quello che non ho” di Fabrizio De André, piuttosto che i nostri fantasmi chiedere ancora i nomi degli stragisti» (Ciotta). «Nella sua comicità lieve e stralunata, I primi della lista sembra la risposta extra-parlamentare a Vogliamo i colonnelli, girato da Monicelli nel ’73: peccato che il grande Mario non conoscesse questa storia, era perfetta per lui. Ma Johnson, italo-inglese cresciuto a Pisa, è degno di cotanto maestro e firma un film davvero insolito. Che si chiude sui veri Pino, Renzo e Fabio: se il primo è ancora un cantastorie in attività, gli altri due hanno vissuto girando il mondo, scolpendo statue e vendendo antiquariato, attualissima lezione per tutti i figli della globalizzazione che si chiedono come affrontare il futuro» (Crespi).
Per gentile concessione di Palomar - Ingresso gratuito

ore 21.00 
Incontro con Andrea Minuz e Italo Moscati 
Nel corso dell’incontro sarà presentato il libro di Andrea Minuz Viaggio al termine dell’Italia. Fellini politico (Rubbettino, 2012)

a seguire 
Prova d’orchestra (1979)
Regia: Federico Fellini; soggetto: F. Fellini; sceneggiatura: F. Fellini, Brunello Rondi; fotografia: Giuseppe Rotunno; scenografia: Dante Ferretti; costumi: Gabriella Pescucci; musica: Nino Rota; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Baldwin Baas, Clara Colosimo, Elisabeth Labi, Ronaldo Bonacchi, Ferdinando Villella, Heinz Kreuger; origine: Italia/Germania; produzione: Rai, Daimo, Albatros; durata: 72’
«Con Prova d’orchestra Fellini mette in scena una situazione tanto elementare quanto carica di simbolismi: un’orchestra riunita in un antico oratorio per la prova di un concerto sinfonico si ribella all’autoritario e teutonico direttore. Nel luogo si diffonde l’anarchia, che culmina con una specie di esplosione provocata da una palla d’acciaio che abbatte il muro e provoca la morte dell’arpista. Sbigottiti, gli orchestrali riprendono la prova tra le macerie rispondendo agli ordini sempre più dittatoriali del direttore... L’allegoria della società italiana è quanto mai chiara, persino didascalica. Fellini, scegliendo la strada metalinguistica di un’inchiesta televisiva dietro alla quale si scorge proprio il regista con la sua stridula voce, intende compiere una vera e propria indagine che metta a nudo i particolarismi, le miserie di un universo grottesco, tanto dalla parte del Potere (il direttore), quanto da quella del Popolo (l’orchestra) che tenta di ribellarsi ricorrendo anche alle armi (ad un certo punto un orchestrale estrae una pistola e comincia a sparare). Intento dell’autore è quello di comunicare allo spettatore “una sorta di sgomento e di commozione, di vergogna, l’angoscia del terrore quotidiano” (Miccichè); quel “terrore” che nel film aleggia tra le parole, i rumori, i suoni» (Uva).
Ingresso gratuito

mercoledì 9
ore 18.00 
Scene di una strage (2011)
Regia: Lucio Dell’Accio, fotografia: Saverio Guarna, Ken Damy; montaggio: L. Dell’Accio; partecipazione artistica: Franca Rame; origine: Italia; produzione: L. Dell’Accio; durata: 165’
Il documentario ricostruisce gli infiniti tragici attimi della mattina del 28 maggio 1974 in cui avvenne la strage di Piazza della Loggia a Brescia. Morirono otto persone, oltre cento furono i feriti. Da quel momento iniziò una lunga e inconclusa storia giudiziaria, cosparsa di inganni, depistaggi, occultamenti della verità, che fanno della strage di Piazza della Loggia l’ennesima strage impunita tra le tante compiute in Italia nel corso del secondo Novecento. Il racconto del film procede nella forma di un road-movie tra la Puglia (terra di Luigi Pinto, insegnante venticinquenne, sindacalista della Cgil caduto in quella strage) e Brescia, alla ricerca di testimonianze (dei parenti delle vittime, dei magistrati inquirenti, di storici e di politici come il senatore Giovanni Pellegrino, Presidente della Commissione parlamentari stragi; del sociologo Valerio Marchi e di Vincenzo Vinciguerra, ex militante delle organizzazioni di estrema destra Ordine Nuovo e Avanguardia Nazionale, responsabile della strage di Peteano del maggio 1972) per ricostruire i drammatici giorni dell’eccidio, la sua intricata vicenda giudiziaria, il contesto della “strategia della tensione” nel quale quel massacro è maturato ed è stato perpetrato.
Ingresso gratuito

ore 21.00 
Incontro moderato da Christian Uva con Lucio Dell’Accio, Massimo Natale

a seguire
L’estate di Martino (2010)
Regia: Massimo Natale; soggetto e sceneggiatura: Giorgio Fabbri; fotografia: Vladan Radovic;  scenografia: Sabrina Balestra; costumi: Alessia Condò; musica: Roberto Colavalle; montaggio: Paola Freddi; interpreti: Treat Williams, Luigi Ciardo, Pietro Masotti. Matteo Pianezzi, Simone Borrelli, Renata Malinconico; origine: Italia; produzione: Movimento Film, Rai Cinema; durata: 85’
«27 giugno - 2 agosto 1980: due tragiche date che segnano un’estate di sangue di trent’anni fa incorniciata dalle stragi di Ustica e di Bologna. Due date che al contempo delimitano il periodo durante il quale l’adolescente protagonista del film abbandona il proprio guscio, imparando a conquistare le onde del mare che bagna la sua Puglia e l’amore, sognando di riuscire a fare come il principe Dragut, eroe della sua favola preferita: recarsi oltre l’arcobaleno, nelle profondità del mare, per recuperare la mitologica giara che raccoglie le lacrime dell’intera umanità affinché essa venga liberata dal dolore delle morti violente. Proprio come quelle provocate dai funesti eventi sopra ricordati alle quali il film è dedicato. La piccola opera di Massimo Natale – intrecciando favola e realtà in maniera inedita nel panorama filmico italiano – si pone al termine di un periodo, quale quello dei primi anni 2000, in cui il cinema avverte la necessità di tornare a riflettere su alcuni dei principali traumi del nostro passato» (Uva).
Per gentile concessione di Movimento Film - Ingresso gratuito

giovedì 10
ore 16.30 
Il muro di gomma (1991)
Regia: Marco Risi; soggetto e sceneggiatura: Sandro Petraglia, Andrea Purgatori, Stefano Rulli; fotografia: Mauro Marchetti; scenografia: Massimo Spano; costumi: Roberta Guidi Di Bagno; musica: Francesco De Gregori; montaggio: Claudio Di Mauro; interpreti: Corso Salani, Angela Finocchiaro, Ivano Marescotti, Antonello Fassari, Carla Benedetti, Pietro Ghislandi; origine: Italia; produzione: Trio Cinema e Televisione, Penta Film; durata: 123’
«È il primo film che si sia occupato della strage di Ustica. Marco Risi racconta la frustrazione di un giornalista interpretato dal compianto Corso Salani, sulla scorta della reale esperienza vissuta dall’allora cronista d’inchiesta Andrea Purgatori (anche sceneggiatore del film) di fronte allo scacco nella ricerca della verità. Il film di Risi, sulla base delle nuove evidenze, raccolte dallo stesso Purgatori, fondamentali per la riapertura dell’inchiesta sul DC9 dell’Itavia abbattuto con quasi cento persone a bordo, appare l’esempio paradigmatico di un cinema che, come scrive Gian Piero Brunetta, “riscopre un nuovo uso pubblico delle fonti e dei documenti storici [riaprendo] in maniera problematica i fascicoli e le istruttorie di molti casi della storia italiana”» (Uva).

ore 18.45 
Ustica - Una spina nel cuore (2001)
Regia: Romano Scavolini; soggetto e sceneggiatura: R. Scavolini; consulenza storica: Massimo Pizza, Antonio D’Andrea; fotografia: Giuseppe Pinori; scenografia: Michela Papa; costumi: Sandra Cardini; musica: Paul Freeman; montaggio: Andrea Caterini; interpreti: Leandro Amato, Edmondo Tieghi, Loredana Cannata, Eugenio Masciari, Valeria Sannino, Mauro Serio; origine: Italia; produzione: Ivatt Industries, Massimo Forges Davanzati; durata: 107’
«Ustica è un film molto particolare. In effetti è un ibrido, un docu-film, che partendo dal ritrovamento di un aereo Phantom della Marina Usa a Gaeta, passa in rassegna tutta la storia italiana dal 1974 (anteprima del documento di Rinascita democratica letto davanti ad un gruppo di appartenenti alla loggia massonica P2) fino ad oggi. È un film da ascoltare più che da vedere perché ho usato un “personaggio” tipo “gola profonda” che rivela ad un giornalista una serie di fatti che sembra conoscere molto bene. Il film è stato sempre proiettato pubblicamente in molte piazze italiane, gratis. All’epoca il film subì minacce e ritorsioni e non fu mai preso in considerazione dalla Rai, che inizialmente voleva farne due serate con dibattito, ma il berlusconismo al potere ha sempre imposto un veto radicale. Dopo l’interdizione ho fatto molte proiezioni private in case di amici, seguite ovviamente da discussioni molto forti. Il film rivela – stando a notizie che ho ricevuto dall’interno di settori molto informati – eventi e concatenazioni di eventi raramente conosciuti al grande pubblico» (Scavolini).
Ingresso gratuito

ore 20.45 
Incontro moderato da Franco Montini con Aurelio Grimaldi, Andrea Purgatori, Romano Scavolini, Christian Uva
Nel corso dell’incontro sarà presentato il libro di Christian Uva Strane storie. Il cinema e i misteri d’Italia (Rubbettino, 2011)

a seguire 
Livello di guardia (1978) 
Regia: Ettore Ferettini; origine: Italia; durata: 24’
Il filmaker puro Ettore Ferettini, l’uomo (che viveva) con la macchina da presa, e il sequestro Moro: percezione e rappresentazione in diretta e in fieri dell’evento che ha fermato l’Italia. Prima di Blob, Ferettini capta il flusso di immagini, più o meno pertinenti, che la televisione pubblica inondava sugli schermi in quei giorni, misurando il grado di aggressione mediatica e provocando un effetto straniante. L’evento viene fagocitato dal mezzo televisivo e restituito in modo difforme, mentre la realtà circostante incombe dall’esterno e viene ugualmente catturata, ma non dal grande fratello televisivo, ma dall’occhio onnipresente di Ferettini, che sovrappone i due livelli in un’opera di (s)montaggio della cruda quotidianità. Imperdibile documento di un regista comunque irreale.
Ingresso gratuito 

a seguire 
Se sarà luce sarà bellissimo - Moro, un’altra storia (2004)
Regia: Aurelio Grimaldi; soggetto e sceneggiatura: A. Grimaldi; fotografia: Alberto Iannuzzi; costumi: Caterina Nardi; montaggio: Giuseppe Pagano; interpreti: Roshan Seth, Guia Jelo, Pino Micol, Gaetano Amato, Lalla Esposito, Caroline Fitzgerald; origine: Italia; produzione: Gruppo Pasquino; durata: 86’
«Il titolo è tratto da una frase delle lettere di Moro ai familiari. L’opera di Grimaldi è del tutto distante da qualsiasi agiografia dell’uomo politico o da qualsivoglia inquadramento di Moro quale capro espiatorio o vittima sacrificale della stagione della lotta armata. L’autore non è interessato a compiere una dettagliata ricostruzione storica (pur basandosi rigorosamente su documenti ufficiali) quanto a evitare qualsiasi mitizzazione o santificazione, mettendo in scena vittime e carnefici abitati allo stesso modo da ombre e luci che ne rendono le personalità non incasellabili in schemi di tipo manicheo. Si sottolineano, dunque, le responsabilità precedenti della Dc e di Moro e si evidenziano le contraddizioni delle Brigate rosse, uomini e donne che sparavano “non perché speravano di avere dei vantaggi personali materiali ma credendo di costruire una presunta società del futuro pseudo marxista”, come ha detto il regista in occasione di un incontro pubblico» (Uva). 
Ingresso gratuito

venerdì 11
ore 16.30 
Un eroe borghese (1994)
Regia: Michele Placido; soggetto: dal romanzo omonimo di Corrado Stajano; sceneggiatura: Angelo Pasquini, Graziano Diana; fotografia: Luca Bigazzi; scenografia: Francesco Frigeri; costumi: Claudio Cordaro; musica: Pino Donaggio; montaggio: Claudio Di Mauro; interpreti: Fabrizio Bentivoglio, Michele Placido, Omero Antonutti, Philippine Leroy-Beaulieu, Daan Hugaert, Pascal Druant; origine: Italia; produzione: Taodue Film, Istituto Luce, Italnoleggio Cinematografico, Mact Productions, Mediaset, Canal Plus, Corsan Productions; durata: 96’
Nel 1974 l’avvocato Giorgio Ambrosoli viene nominato commissario liquidatore della Banca Privata Italiana, che fa capo a Michele Sindona. Il suo meticoloso lavoro, volto a ripristinare «il rispetto delle leggi, dell’etica che presiede sempre a un ordinamento giuridico» (Bolzoni), viene ostacolato in ogni modo… «Di una pellicola che sta invadendo le pagine dei giornali per i suoi contenuti etici e politici, alla critica restano da segnalare i valori espressivi, il modo sempre efficace con cui il racconto è messo in scena, scandito nei ritmi e rispettato nella sua rigorosa attendibilità. Nei confronti di una classe politica oggi sotto accusa l’evento può paragonarsi alla recita dell’uccisione del padre che Amleto organizza per l’assassino: possibile che non provochi qualche trasalimento anche nella masnada degli impuniti che vediamo ogni sera mentire sul video? Quanto al problema se abbiamo o no bisogno di eroi, il film di Placido ci conferma che non dobbiamo comunque cercarli sulla base di discriminazioni ideologiche ma semplicemente tra la gente disposta a ogni rischio pur di fare bene il proprio lavoro» (Kezich).

ore 18.15 
I banchieri di Dio - Il caso Calvi (2001)
Regia: Giuseppe Ferrara; soggetto: dall’omonimo libro di Mario Almerighi; sceneggiatura: G. Ferrara, Armenia Balducci; fotografia: Federico Del Zoppo; scenografia: Davide Bassan; costumi: Enrica Barbano; musica: Ennio Morricone, Pino Donaggio; montaggio: Adriano Tagliavia; interpreti: Omero Antonutti, Giancarlo Giannini, Alessandro Gassman, Rutger Hauer, Pamela Villoresi, Vincenzo Peluso; origine: Italia; produzione: Sistina Cinematografica; durata: 128’ 
«Il film narra le vicende dello scandalo del Banco Ambrosiano, che coinvolse il mondo finanziario milanese, il Vaticano, la P2, la massoneria, i servizi segreti italiani e inglesi, il mondo della politica, la mafia e la camorra e che culminò con la morte di Roberto Calvi, il cui corpo fu trovato appeso sotto il Ponte dei Frati Neri a Londra» (www.cinematografo.it). «Nel film di Ferrara […] si segnala la ricostruzione di finte immagini di repertorio fatte scorrere su apparecchi televisivi di scena in cui “simulacri attoriali” somiglianti fisicamente agli originali (vedasi Andreotti, Craxi, Forlani) pronunciano frasi o discorsi autentici e interagiscono virtualmente, grazie al montaggio, con volti reali della scena politica dell’epoca» (Uva).

Jole Silvani, la regina dell’avanspettacolo
Tutta la vita 
mi la go dedicada al teatro.
E no go nessun rimpianto
Jole Silvani

«“Regina dell’avanspettacolo fra le due guerre”, scrive Pier Maria Paoletti su “Il giorno”; “Nel mondo del varietà, che era il suo regno, era inequivocabilmente considerata la più bella: alta, piena, con occhi ammalianti e profondi… Era stata la donna più bella d’Italia”, la ricorda sull’“Unità” Nicola Fano; il regista Filippo Crivelli la chiama “bionda fatina degli anni venti” e Federico Fellini dirà: «Ho deciso di fare il regista solo per avvicinare tutte le attrici che mi erano piaciute durante la giovinezza, quali Mae West, Joan Blondel [Blondell] e Jole Silvani».
Sono tutti giudizi su Jole Silvani (nome d’arte dell’attrice Niobe Quaiatti, nata a Trieste il 9 dicembre 1910) […] probabilmente l’ultima grande soubrette dell’avanspettacolo italiano. Per quasi trent’anni, a partire dal 1929, con la compagnia “La Triestinissima” di Angelo Cecchelin (che Mario Soldati ha definito “lo Chevalier triestino”) ha fatto conoscere a tutta l’Italia commedie e canzoni nel dialetto che si erano divertiti ad usare anche James Joyce e Umberto Saba.
Paolo Poli, il suo secondo maestro dopo Cecchelin, la vorrà per tredici anni nei suoi spettacoli, ma lei continuerà a lavorare anche nella grande prosa con compagnie di giro e con i teatri stabili di Torino, Roma e Trieste.
Jole Silvani per oltre trent’anni si impegna nel cinema: dopo Lo sceicco bianco, Federico Fellini la vuole nella Città delle donne; sarà diretta anche da Bertolucci, Bolognini e la Wertmüller, assieme ad attori come Mastroianni, Fernandel, Peppino de Filippo, Aldo Fabrizi e Paolo Villaggio. […]
Con Poli stabilisce un rapporto non solo artistico, ma anche – e soprattutto umano -, di profonda e sincera amicizia che arriva sino al punto di condividere, per un decennio, la stessa casa a Roma, nel centro storico della capitale italiana. […] A conferma dello stretto – e affettuoso – legame tra loro due, Poli dopo il ritorno a Trieste di Jole non solo non accoglierà più nessun altro nelle stanze occupate dall’attrice triestina, ma le manterrà così come le aveva lasciate lei, con alle pareti una fotografia – che lo stesso Poli aveva fatto stampare a gigantografia – di Jole che allatta suo figlio Guido (“è l’unica immagine di nudo, parziale, che le sia mai stata fatta”, commenta Poli), due fotografie della Trieste dell’inizio del ventesimo secolo, ovviamente in bianco e nero della Corsa Stadion (poi via Battisti) dove Jole Silvani trascorrerà gli ultimi anni, ospite della sorella, e la splendida testa di cavallo – dipinta – che Giorgio De Chirico aveva voluto regalarle, quando l’aveva sentita ridere fragorosamente al ristorante veneziano “Alla colomba”» (dal libro di Guido Botteri Jole Silvani, Comunicarte Edizioni, 2010).

ore 20.45 
Incontro moderato da Vieri Razzini con Paolo Poli, Guido Botteri, Graziella Porta, Massimiliano Schiozzi
Nel corso dell’incontro sarà presentato il libro di Guido Botteri Jole Silvani (Comunicarte Edizioni, 2010)

a seguire 
La città delle donne (1980)
Regia: Federico Fellini; soggetto e sceneggiatura: F. Fellini, Bernardino Zapponi, con la collaborazione di Brunello Rondi; fotografia: Giuseppe Rotunno; scenografia: Dante Ferretti; costumi: Gabriella Pescucci; musica: Luis Enríquez Bacalov; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Marcello Mastroianni, Ana Prucnal, Bernice Stegers, Jole Silvani, Donatella Damiani, Ettore Manni; origine: Italia/Francia; produzione: Opera Film, Gaumont; durata: 148’
«Fantasia onirica sulla falsariga di un film troppe volte rimandato, Il viaggio di G. Mastorna. Anche qui l’io felliniano (nuovamente incarnato in Mastroianni, come ai tempi di La dolce vita e 8 e 1/2) interrompe un viaggio per addentrarsi in una scorribanda nell’universo delle donne: le immagini muliebri della vita d’ogni giorno, le femministe scatenate in congresso, le vecchie insatirite, la moglie malmostosa, le perturbatrici dell’infanzia, le antiche dive del cinema, le puttane del casino, perfino le terroriste; e, in conclusione, un idolo della madre-meretrice-madonna sintetizzato in una caricaturale mongolfiera. Con più angoscia che divertimento, Fellini riprende i sentieri di Amarcord in una progressiva perdita delle illusioni sul ruolo dell’uomo nel mondo contemporaneo. Il film ha il limite dichiarato di mantenersi nell’area autobiografica, sia pure capricciosamente dilatata, senza spingere la sua forza regressiva a quella riscoperta dei “grandi sogni” dell’umanità primitiva teorizzati da Jung» (Kezich).
Ingresso gratuito

sabato 12
ore 17.00 
Attenti a quei P2 (1982)
Regia: Pier Francesco Pingitore; soggetto e sceneggiatura: P. F. Pingitore, Mario Castellacci; fotografia: Giancarlo Ferrando; costumi: Maurizio Tognalini; musica: Gianni Sposito; montaggio: Mauro Bonanni; interpreti: Pippo Franco, Oreste Lionello, Franco Diogene, Bombolo, Giorgio Porcaro, Anna Maria Rizzoli; origine: Italia; produzione: Clemi Cinematografica; durata: 100’
«17 marzo 1981: in un fabbricato in provincia di Arezzo viene portato alla luce uno dei “libri mastri” dei misteri italiani: è la lista di nomi e cognomi degli iscritti alla loggia P2 trovata dai magistrati durante le indagini sul presunto rapimento di Michele Sindona nella fabbrica della Giole, a Castiglion Fibocchi, di proprietà di Licio Gelli. Il cinema popolare non perde l’appuntamento con una cronaca che è già Storia: nasce così questo parodico film che sceglie di applicare a Licio Gelli & Co. le maschere di un “carnevale della politica” in perfetto stile Bagaglino. Nella giostra di travestimenti messa in scena da Pingitore tanti sono i nomi storpiati dietro ai quali sono immediatamente riconoscibili le fisionomie chiave dei “poteri forti” dell’epoca. Da ricordare che Pingitore risulta coinvolto in prima persona nel dibattito pubblico concernente alcuni dei nodi più oscuri della storia repubblicana, come testimonia il curioso e “profetico” articolo intitolato Dio salvi il Presidente, uscito sulle pagine di un opuscolo edito tra il 1968 e il 1969 in occasione del primo anniversario della fondazione del Bagaglino, in cui, a testimonianza dei tanti segnali che giunsero ad Aldo Moro da destra e che la sinistra armata portò a compimento, il regista, allora vicino a una formazione neofascista come Avanguardia Nazionale, illustrava la vulnerabilità del leader democristiano, descrivendone la giornata “rigorosamente organizzata” al punto da risultare quasi “fatta apposta per essere sfruttata da eventuali attentatori”…» (Uva).

ore 19.00 
Tre colonne in cronaca (1990)
Regia: Carlo Vanzina; soggetto: dal romanzo omonimo di Corrado Augias e Daniele Pasti; sceneggiatura: C. Vanzina, Enrico Vanzina; fotografia: Luigi Kuveiller; scenografia: Francesco Bronzi; musica: Ennio Morricone; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Gian Maria Volonté, Massimo Dapporto, Joss Ackland, Senta Berger, Demetra Hampton, Sergio Castellitto; origine: Italia; produzione: Cecchi Gori Group-Tiger Cinematografica, Pixit, Reteitalia; durata: 99’
 «Carlo Vanzina (come sempre coadiuvato in fase di sceneggiatura dal fratello Enrico) sembra recuperare l’idea di un cinema poliziesco d’inchiesta praticata dal padre Stefano in La polizia ringrazia per raccontare intrighi d’alta finanza, ricatti e delitti funzionali alla scalata ad un grande quotidiano d’opposizione dietro al quale si legge in filigrana lo scontro tra la Fininvest e De Benedetti per il controllo de “L’espresso” e “La Repubblica”, con tanto di guerra sorda tra un uomo di affari lombardo (Berlusconi) e un integerrimo direttore di giornale (Scalfari) interpretato da Gian Maria Volonté» (Uva). «Costruito secondo le regole del genere, il film ripaga della sua tetra visione dei rapporti fra il palazzo e Piazza Affari e del sarcastico ritratto di chi si finge uno stinco di santo con una messinscena molto colorita, fin troppo ricca di situazioni e di personaggi, e con un taglio narrativo felicemente ritmato dalla musica di Ennio Morricone» (Grazzini).

ore 20.45
Il Padrino - Parte terza (1990)
Regia: Francis Ford Coppola; soggetto: Francis Ford Coppola, dal romanzo di Mario Puzo The Godfather; sceneggiatura: F. F. Coppola, M. Puzo; fotografia: Gordon Willis; scenografia: Dean Tavoularis; costumi: Milena Canonero; musica: Carmine Coppola; montaggio: Lisa Fruchtman, Barry Malkin, Walter Murch; interpreti: Al Pacino, Diane Keaton, Talia Shire, Andy Garcia, Eli Wallach, Joe Mantegna; origine: Stati Uniti; produzione: Zoetrope, Paramount; durata: 162’
 «La materia drammaturgica offerta da una simile realtà sembra prestarsi infatti alle declinazioni più diverse, riuscendo congeniale non solo alla farsa, ma anche alla tragedia più dichiaratamente “elisabettiana”, come quella orchestrata da Francis Ford Coppola nel terzo capitolo del suo Il padrino (1990), in cui la storia di Don Michael Corleone si incrocia con quella degli intrighi vaticani e dunque con la figura dello stesso Calvi (il cui nome è qui traslato in quello di Keinszig), ma anche con quella dell’arcivescovo Marcinkus e persino con la vicenda del presunto assassinio di Papa Giovanni Paolo I» (Uva). «Grande film, melodramma popolare, raccontato con forza, passione, divertimento e sincerità sentimentale, un’orgia barocca di morte e di soldi, un oscuro intrigo famigliare e politico di lotta tra poteri violenti, girato con ammirevole inventiva figurativa» (Tornabuoni).

domenica 13
ore 17.00 
L’avvertimento (1980)
Regia: Damiano Damiani; soggetto: D. Damiani, Nicola Badalucco, Arduino Maiuri, Massimo De Rita; fotografia: Alfio Contini; scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Giulia Mafai; musica: Riz Ortolani; montaggio: Antonio Siciliano; interpreti: Giuliano Gemma, Martin Balsam, Laura Trotter, Giancarlo Zanetti, Guido Leontini, Franco Odoardi; origine: Italia; produzione: Capital Film; durata: 109’
«Il commissario Barresi (Gemma) trova 100 milioni in “regalo” sul suo conto in banca, appena prima che venga ucciso il capo della mobile: ma decide di stare al gioco di chi cerca di corromperlo, per incastrare i mandanti. Damiani […] punta il dito contro la criminalità dell’alta finanza e riprende lo schema di Io ho paura: un uomo solo che sfida un’organizzazione potente e senza volto, commettendo un errore dopo l’altro. E per rappresentare il disorientamento e la paranoia, si affida a una girandola di colpi di scena che a volte diventa troppo teatrale. La società e il cinema stavano cambiando, e gli strumenti dei film di denuncia anni Settanta non bastavano più: anche se la confezione resta solida e la suspense tiene fino al termine» (Mereghetti).

ore 19.00 
Segreto di Stato - Forze oscure (1994)
Regia: Giuseppe Ferrara; soggetto: Andrea Purgatori; sceneggiatura: Andrea Frezza; fotografia: Claudio Cirillo; scenografia: Antonino Formica; costumi: Tiziana Mancini; musica: Pino Donaggio; montaggio: Adriano Tagliavia; interpreti: Massimo Ghini, Massimo Dapporto, Isabel Russinova, Tino Bianchi, Adalberto Maria Merli, Antonello Fassari; origine: Italia; produzione: Dania Film, Filmtre, Andromeda Productions; durata: 105’
«Di contro, Segreto di Stato prende le mosse dalle stragi del ’93 (le cui immagini scorrono sotto i titoli) per una vicenda dal taglio prettamente poliziesco che costituisce forse la sortita di Ferrara (per una volta non sceneggiatore: firma il copione Andrea Frezza, da un soggetto di Andrea Purgatori) più vicina al genere puro, per costruzione dell’intreccio, personaggi e risoluzione» (Curti). «Il film corre via nervoso, insensato, con ritmo sordido e ossessivo. Gli eroi positivi sono figli di partigiani (Ghini, assai disinvolto) o sostituti procuratori ebrei (Isabella Russinova). I cattivi parlano con pesanti accenti dialettali (romano, sardo, siciliano). Il Grande Vecchio è Tino Bianchi, l’uomo del Sisde, mandante d’un attentato destabilizzante alla stazione Massimo Dapporto. Cinema impegnato? Non proprio: Segreto di stato è impregnato di caos visivo e ideologico, di giochi pericolosi tra finzione e realtà, di contaminazioni televisive, tra sceneggiato italiano e telefilm all’americana, d’ipotesi politiche fantasiose ma non fantascientifiche, di personaggi stereotipi che sembrano recitare su un palcoscenico nel quale non si rappresenta lo stato delle cose italiane nudo e crudo, ma un docu-dramma sulle paure, sui sintomi, sulle ossessioni, che segna (o non segna) il passaggio tra prima e seconda repubblica. Più che cinema-verità, la sua isterica effigie» (Fabio Bo).

ore 21.15 
Ilaria Alpi - Il più crudele dei giorni (2002)
Regia: Ferdinando Vicentini Orgnani; soggetto: F. Vicentini Orgnani, Marcello Fois dal libro L’esecuzione di Giorgio Alpi, Luciana Alpi, Mariangela Gritta Grainer, Maurizio Torrealta; sceneggiatura: M. Fois, F. Vicentini Orgnani; fotografia: Giovanni Cavallini; scenografia: Davide Bassan; costumi: Elisabetta Antico; musica: Paolo Fresu; montaggio: Claudio Cutry, Alessandro Heffler; interpreti: Giovanna Mezzogiorno, Rade Serbedzija, Giacinto Ferro, Erika Blanc, Angelo Infanti, Andrea Renzi; origine: Italia; produzione: Gam Films; durata: 105’
«Il film […] analizza il periodo di tempo tra il primo incontro Alpi-Hrovatin e la loro morte: circa un mese che contiene in brevi flash a volte faticosi da seguire il passato e il futuro, in un ambiente ambiguo e pericoloso in cui le persone in divisa non sono più affidabili di altre, con intervistati non sempre credibili. Più che un film-inchiesta è una ricostruzione del fatto. Ilaria Alpi sta in auto, prende appunti al tavolo, siede con i colleghi al bar o al ristorante, contempla la città notturna dalla finestra dell’albergo, ricerca, intervista, cammina, discute: e il film la segue, omaggio alle due vittime senza giustizia, ricordo del loro sacrificio, memoria della verità tradita». (Tornabuoni). «Con assoluta fedeltà ai fatti, fin dov’è possibile, e facendo nomi e cognomi (cosa insolita oggi in Italia). Ma soprattutto con la massima aderenza poetica e sentimentale, appunto, ai due protagonisti, ai loro rapporti, a tutto ciò che sullo schermo magari non c’è ma che intuiamo di loro. È perché l’intricata struttura narrativa non perde mai di vista questo punto essenziale che ci orientiamo nei suoi meandri. È perché Giovanna Mezzogiorno e Rade Sherbedgia sono così semplici e toccanti che perdoniamo incertezze e salti di tono. E poi il film non semplifica, non adultera la materia, non cerca scorciatoie emotive o spettacolari. Non è davvero poco, visto il soggetto» (Ferzetti).

lunedì 14
chiuso

15-17 maggio 
Donne: la vita al lavoro
Come in un gioco di parole rovesciamo la celebre frase di Cocteau per cui il cinema filma la morte al lavoro, per tracciare attraverso una manciata di film la storia delle donne nel Novecento, la loro condizione esistenziale e lavorativa dal secondo dopoguerra al terzo millennio. La rassegna, a cura di Maria Coletti, è un’occasione per rivedere alcuni classici del cinema italiano, capolavori e gioielli nascosti in grado di seguire il filo rosso delle piccole e grandi battaglie che il lavoro riserva alle donne: la speranza e la disillusione, l’utopia e la routine quotidiana, gli affetti e i difetti, i progetti e il precariato, la maternità e la sicurezza, l’educazione e la cultura, la dignità e il coraggio, l’amore e la dignità. In una parola, la vita.

martedì 15
ore 16.30
Speriamo che sia femmina (1986)
Regia: Mario Monicelli; soggetto: Tullio Pinelli; sceneggiatura: Leo Benvenuti, Piero De Bernardi, Suso Cecchi d’Amico, Tullio Pinelli, M. Monicelli; fotografia: Camillo Bazzoni; scenografia: Enrico Fiorentini; musica: Nicola Piovani; montaggio: Ruggero Mastroianni; costumi: Ezio Altieri; interpreti: Liv Ullmann, Catherine Deneuve, Giuliana De Sio, Stefania Sandrelli, Athina Cenci, Lucrezia Lante della Rovere; origine: Italia/Francia; produzione: Clemi Cinematografica, Les Producteurs Associés; durata: 114’
«Declino di una famiglia del latifondo toscano (Grosseto) che gestisce un’azienda agricola e in cui contano (e lavorano) soprattutto le donne. Grande film borghese che arricchisce il povero panorama del cinema italiano degli anni ’80 per il sapiente impasto di toni drammatici, umoristici e grotteschi, la splendida galleria di ritratti femminili, la continua oscillazione tra leggerezza e gravità, il modo con cui – senza forzature ideologiche – sviluppa il discorso sull'assenza, la debolezza, l’egoismo dei maschi» (Morandini). «Speriamo che sia femmina è un film molto importante per diversi motivi, dei quali mi limiterò a citare solo i due che mi paiono decisivi: l’ampiezza di riferimenti del tema portante, da una parte; la capacità di articolarlo in una miriade di storie microscopiche ben intrecciate fra loro, dall’altra. Il tema è netto, inequivocabile, preciso, anche se non enunciato in forme dirette o sfacciate: la fine di una società e di un mondo basati su rapporti che vedono come asse portante il maschio e la centralità della sua cultura (cultura della proprietà, cultura del dominio, cultura degli affetti sottomessi alla idealizzazione narcisistica dell’uomo ovunque questa si manifesti nei rapporti familiari, nell’amore, nella cura degli affari, nel desiderio sessuale, nell’edonismo del fallimento, nell’occupazione di una posizione eminente, e per ciò esposta, nella società e nei valori). Raramente un tema così ampio e complesso è stato trattato con tocco leggero e con discrezione elegante, nei toni sfumati di una luce incerta che lascia come nell’ombra il disegno generale dell’insieme (diciamo pure il “teorema” che regge il film, la precisione con cui ogni elemento della struttura e del racconto sviluppa una sorta di parabola sui rapporti umani possibili nei nostri giorni), e porta alla luce angoli, curve, dettagli, “lasciti” e tracce di una “cultura del femminile” ricca di sollecitazioni e suggerimenti che formicolano più di dubbi costruttivi che di certezze demolitorie. Il tema del declino di una cultura (e di una società) di rapporti umani e di rapporti materiali è sfiorato con la tenerezza della nostalgia, è raffigurato come smembramento silenzioso di un gruppo sociale (la “grande famiglia”) e come ricomposizione dei superstiti (le donne), senza che si senta il pregiudizio ideologico di una scelta di campo sovrimposta al racconto» (Grande).

ore 18.30
Roma ore 11 (1952)
Regia: Giuseppe De Santis; soggetto e sceneggiatura: Cesare Zavattini, Basilio Franchina, G. De Santis, Rodolfo Sonego, Gianni Puccini; fotografia: Otello Martelli; scenografia: Leon Barsacq; costumi: Elio Costanzi; musica: Mario Nascimbene; montaggio: Gabriele Varriale; interpreti: Lucia Bosé, Carla Del Poggio, Maria Grazia Francia, Delia Scala, Elena Varzi, Lea Padovani; origine: Italia/Francia; produzione: Transcontinental Film, Titanus; durata: 98’ 
Richiamate dall’offerta di un posto di lavoro come dattilografa, letta su un annuncio economico, alcune centinaia di ragazze accorrono da tutti i punti di Roma alla sede della ditta in cerca di personale. L’attesa dura diverse ore e le ragazze si affollano sulla scala. Ad un certo punto una delle ragazze tenta di passare avanti alle altre con uno stratagemma. Questo provoca nel gruppo una violenta agitazione e la scala, non resistendo all’insolita pressione, crolla trascinando con sé le ragazze. Molte riportano contusioni, alcune sono ferite leggermente, altre gravemente, mentre una, malgrado il pronto intervento chirurgico, muore. Lo sfortunato incidente avrà per le singole concorrenti conseguenze diverse. «Il film si rifà a un fatto di cronaca realmente accaduto; ma va oltre la cronaca. Nel rielaborare la realtà, De Santis ha però talvolta forzato la realtà stessa, tanto che si può parlare, come qualcuno ha fatto, di “più che neorealismo”. Trovandosi di fronte a un materiale così ampio e carico di significati, dovendo tipicizzare un folto numero di figure, questa tipicizzazione e questi significati spesso rimangono nell’ambito dello schematismo critico [...]. Malgrado queste limitazioni rimane la qualità sociale dell'opera e non soltanto sociale. Roma ore 11 segna un passo avanti di De Santis, un suo progresso spirituale» (Guido Aristarco).

Al cinema con… Filosofia: la donna oggi
Una nuova proposta culturale, curata dall’associazione culturale “Vivere con Filosofia”, permette al pubblico di trovare punti di contatto fra filosofia e cinema. Lo spettatore avrà la possibilità di immergersi nella magia della proiezione filmica, di viverla emotivamente e di ritrovare in essa, con nuove chiavi interpretative, la profondità della “prospettiva filosofica”. In particolare l’introduzione del filosofo offrirà spunti di riflessione sull’idea guida che anima le storie, sulla condizione di inquietudine e fragilità della condizione umana che la ricerca di senso comporta e sullo spessore estetico dei film. L’evento, curato dalla professoressa Rosanna Buquicchio, consulente filosofico e presidente dell’associazione culturale “Vivere con Filosofia”, si propone di riflettere sul tema del femminile a partire dalla visione non solo del film di Paolo Virzì, Tutta la vita davanti, ma anche delle pellicole presenti nella rassegna Donne: la vita al lavoro, capaci d’indagare le differenti sfumature di questo mondo. Ciascun lungometraggio diviene esempio delle sfide che la donna è tenuta a raccogliere, oggi più che mai, immersi come siamo in una società globalizzata e frenetica che costringe a ripensare le categorie tradizionali.

ore 20.15
Incontro moderato da Rosanna Buquicchio con Prof.ssa Francesca Brezzi (Università Roma Tre)

a seguire
Tutta la vita davanti (2008)
Regia: Paolo Virzì; soggetto: dal romanzo Il mondo deve sapere - Romanzo tragicomico di una telefonista precaria di Michela Murgia; sceneggiatura: P. Virzì, Francesco Bruni; fotografia: Nicola Pecorini; costumi: Claudette Lilly; musica: Franco Piersanti; montaggio: Esmeralda Calabria; interpreti: Isabella Ragonese, Sabrina Ferilli, Elio Germano, Massimo Ghini, Valerio Mastandrea, Micaela Ramazzotti; origine: Italia; produzione: Medusa Film, Motorino Amaranto; durata: 117’
Marta (Isabella Ragonese)è una ventiquattrenne siciliana trapiantata a Roma neolaureata con lode, abbraccio accademico e pubblicazione della tesi in filosofia teoretica. In attesa dei risultati del concorso da ricercatrice, e reduce dall’infruttuosa ricerca di un posto adeguato alla sua preparazione, cerca di guadagnarsi da vivere facendo la babysitter. Mentre si prende cura della piccola Lara, viene introdotta dalla madre della bambina (Micaela Ramazzotti) nel call center dove quest’ultima lavora. Qui Marta inizierà un terribile viaggio nel precariato, vissuto con gli occhi di una donna giovane e colta, che si vedrà costretta a mettere in discussione i propri sogni. Una giovane donna, pur trovandosi immersa in un contesto professionale che le è estraneo e di cui non condivide i valori, non smette di lottare per mantenere integra la propria identità, senza scendere mai a compromessi. La sua determinazione verrà premiata, e sarà d’esempio ad una società che, per quanto difficile e complicata, non può restare indifferente rispetto alla speranza che lei incarna. Il film evidenzia con spirito tragicomico le contraddizioni di una società malata e crudele, dove forse solo l’umiltà e l’onestà intellettuale che la protagonista incarna costituiscono ancora un’ultima speranza.
Ingresso gratuito

mercoledì 16
ore 17.00
Riso amaro (1949)
Regia: Giuseppe De Santis; soggetto: G. De Santis, Carlo Lizzani, Gianni Puccini; sceneggiatura: Corrado Alvaro, G. De Santis, Carlo Lizzani, Carlo Musso, Ivo Perilli, Gianni Puccini; fotografia: Otello Martelli; scenografia: Carlo Egidi; musica: Goffredo Petrassi; montaggio: Gabriele Varriale; costumi: Anna Gobbi; interpreti: Vittorio Gassman, Silvana Mangano, Raf Vallone, Doris Dowling, Checco Rissone, Nico Pepe; origine: Italia; produzione: Lux Film; durata: 108’
Francesca, giovane cameriera d'albergo, istigata dal suo amante, Walter, ruba la collana di una cliente. Fuggono entrambi, e Francesca si mescola alle mondine, che partono in treno. Nel dormitorio delle mondariso, Francesca viene derubata della collana da una compagna, Silvana. Sul luogo del lavoro giunge Walter, il quale avendo appreso che Silvana è presumibilmente in possesso della collana, la circuisce. Silvana non è insensibile alle premure del lestofante e, abbandonato un sergente che l’ama, diviene l’amante di Walter, mentre il sergente fa la corte a Francesca, che si è pentita ormai del male fatto. Walter, avendo scoperto che la collana rubata è falsa, decide, per rifarsi, di rubare il riso accumulato nei magazzini come premio finale per le mondariso. Mentre le ragazze festeggiano la fine della stagione di lavoro, Walter convince Silvana ad immettere di nuovo l’acqua nei campi, per distrarre l’attenzione delle mondine e degli operai. Ma ha fatto i conti senza Francesca e il sergente.... «Le ragioni per le quali Riso amaro resta un caposaldo emblematico del periodo più fertile del cinema italiano – che possono aiutarci a capire meglio lo stesso fenomeno del neorealismo – sono assai forti. Fin dalla sua nascita il neorealismo sollevò, soprattutto tra i critici italiani, il problema di quanto fosse un movimento unitario, in che misura e perché autori tanto eterogenei […] e di umori così vari fossero visti dalla critica di tutto il mondo come parte di una scuola piuttosto omogenea: dal sofisticato Luchino Visconti al sanguigno De Santis, dal cronachistico Roberto Rossellini al patetico e appassionato Vittorio De Sica. E molti se lo domandano ancora oggi. Proprio Riso amaro (vi giocano la favola e la tranche de vie, il romanzo e il grand guignol, il corale e l’individuale) sembra raccogliere in sé alcune delle aporie più lampanti del neorealismo. Ma se Riso amaro fosse invece un pastiche sia pure geniale, il frutto di una semplice giustapposizione di motivi diversi? Se poi il neorealismo non esistesse, come taluni hanno voluto ribadire in questi ultimi decenni? […] Il rischio di una verifica di tali ipotesi su Riso amaro è alto, ma l’omogeneità del fenomeno Riso amaro è un fatto certo. Avrebbe altrimenti avuto, questo film, la capacità deflagrante – esso sì – di una bomba, se fosse soltanto una aggregazione aritmetica degli elementi che lo compongono? Riso amaro, insomma, come la più suggestiva metafora del neorealismo storico» (Lizzani). 

ore 19.00
Le ragazze di Piazza di Spagna (1952)
Regia: Luciano Emmer; soggetto e sceneggiatura: Sergio Amidei; fotografia: Rodolfo Lombardi; scenografia: Mario Garbuglia; musica: Carlo Innocenzi; montaggio: Jolanda Benvenuti; interpreti: Lucia Bosé, Cosetta Greco, Marcello Mastroianni, Ave Ninchi, Leda Gloria, Liliana Bonfatti; origine: Italia; produzione: Astoria Film; durata: 99’
Marisa, Elena e Lucia, lavoranti d’una grande sartoria nelle vicinanze di Piazza di Spagna, sono legate da intima amicizia. Abitano alla periferia di Roma: Marisa alla Garbatella, Elena a Monteverde, Lucia alle Capannelle. Marisa, di famiglia proletaria, è fidanzata con un operaio che minaccia di lasciarla quando inizia a fare l’indossatrice. Elena è promessa ad un impiegato: quando scopre che il fidanzato non l’ama veramente, ma mira solo al modesto appartamento in cui vive con la madre, la delusione la turba tanto da indurla a tentare il suicidio. L’amore di un onesto autista di piazza la salverà dalla disperazione. Lucia che è piccina, si sente particolarmente attratta dai giovanotti d’alta statura e non si cura di un piccolo ed esile fantino, che l'ama da anni... «La personalità del regista […] si va sempre meglio delineando, nei suoi limiti e nelle sue risorse. I suoi limiti sono segnati dall’esilità della sua vena crepuscolare, affabile del resto e maliziosa. Le sue risorse sono costituite dalla delicatezza del tocco, dalla levità dei suoi estri e dalla freschezza delle sue percezioni visive e psicologiche che col loro brio danno una specie di spuma» (Mario Luzi).

ore 21.00
Io la conoscevo bene (1965)
Regia: Antonio Pietrangeli; soggetto e sceneggiatura: A. Pietrangeli, Ruggero Maccari, Ettore Scola; fotografia: Armando Nannuzzi; scenografia e costumi: Maurizio Chiari; musica: Piero Piccioni; montaggio: Franco Fraticelli; interpreti: Stefania Sandrelli, Enrico Maria Salerno, Nino Manfredi, Ugo Tognazzi, Mario Adorf, Jean-Claude Brialy; origine: Italia/Francia/Germania; produzione: Ultra Film, Le Film du Siècle, Roxy Film; durata: 122’
Adriana, una bella ragazza di campagna, dal Pistoiese si trasferisce a Roma in cerca di fortuna. Comincia a lavorare come domestica, poi fa la parrucchiera, quindi la maschera in un cinema, poi la cassiera in un bowling. Credulona, ingenua, ignorante, attratta soltanto dai dischi e dal ballo, mentre passa da un mestiere all’altro, subisce con indifferenza e con amoralità ogni compagnia maschile che le si presenta. Ma il suo non è calcolo, bensì fragilità, incoscienza e bisogno d’affetto. Di lei tutti approfittano, ma Adriana non se ne accorge e, nonostante tutto, piena di speranza, affida il denaro guadagnato a un ambiguo agente che le profila la possibilità di fare del cinema. In realtà, Adriana non farà che alcuni inserti pubblicitari; prenderà parte come comparsa ad un film mitologico; presenterà qualche vestito in teatrini di provincia. Né la nostalgia del paese d’origine, né l’interruzione di un’incipiente maternità riusciranno a salvarla. «Io la conoscevo bene, diranno tutti coloro che si sono serviti della sua freschezza; al contrario, nessuno aveva penetrato nella confusa realtà dove nemmeno lei sapeva orientarsi [...]. Non è soltanto la storia d’una provinciale bruciata [...] è anche un segnale d’allarme per chi si creda [...] in diritto di scagliare una pietra, assolvendosi con la pietà. Il film ha difetti [...] ma non tali da mettere in pericolo la solidità della struttura [...]. L’interpretazione della Sandrelli [...] ha [...] una buona spontaneità di riflessi, sempre al livello di una naturalezza priva di retroterra culturale. Dei molti uomini [...] si devono ricordare almeno Tognazzi, nella sua parte d’un guitto [...] e Manfredi, che disegna un’equivoca figura di talent scout» (Grazzini).

giovedì 17
ore 17.00
L’aria serena dell’Ovest (1989)
Regia: Silvio Soldini; soggetto: S. Soldini, Paola Candiani; sceneggiatura: Silvio Soldini, Roberto Tiraboschi; fotografia: Luca Bigazzi; scenografia e costumi: Daniela Verdenelli; musica: Giovanni Venosta; montaggio: Claudio Cormio; interpreti: Patrizia Piccinini, Fabrizio Bentivoglio, Antonella Fattori, Ivano Marescotti, Silli Togni, Roberto Accornero; origine: Italia; produzione: Monogatari, Pic Film, Radio Televisione Svizzera Italiana; durata: 110’
Un’agendina che passa di mano in mano fa incrociare le vite di quattro persone nella “Milano da bere” di fine anni Ottanta. Mentre all’Est sfilano i carri di Tienanmen e crolla il Muro di Berlino, una piccola umanità si sfiora, si incontra, si perde senza che nulla – o quasi nulla – riesca a cambiare. È una tranquilla alienazione, è L’aria serena dell’Ovest. «Storia di un’agendina smarrita, tramite grazie al quale vari personaggi s’incontrano, si sfiorano, tentano di entrare in contatto. Racconto minimalista sul giuoco del caso e del desiderio nella vita quotidiana di una Milano dai colori freddi […] come raramente s’era vista al cinema. Con lo sguardo di un documentarista Soldini innesta con sapienza la fiction nella precisione sociologica dei comportamenti, tracciando il grafico di un malessere generazionale. L’infermiera di P. Piccinini è una delle figure femminili più vive dell’ultimo cinema italiano» (Morandini).

ore 19.00
Del perduto amore (1998)
Regia: Michele Placido; soggetto e sceneggiatura: M. Placido, Domenico Starnone; fotografia: Blasco Giurato; scenografia: Paola Comencini; costumi: Claudio Cordaro; musica: Carlo Crivelli; montaggio: Francesca Calvelli; interpreti: Giovanna Mezzogiorno, Fabrizio Bentivoglio, Rocco Papaleo, Sergio Rubini, Enrico Lo Verso, M. Placido; origine: Italia; produzione: Clemi Cinematografica, Rai-Cinemafiction ; durata: 101’
Lucania, 1958. Gerardo, espulso dal collegio per sospetta omosessualità, è coinvolto da Liliana, giovane militante comunista, nell’apertura di una scuola per ragazze analfabete, iniziativa osteggiata dai galantuomini della DC, alleata con l’MSI, e non gradita al PCI. La scuola è incendiata dai fascisti locali cui si unisce Gerardo, ingelosito dalla relazione di Liliana con il medico del paese. Dopo le elezioni dove riceve molti voti, Liliana muore di aneurisma. Al suo funerale, nonostante l’ostracismo del parroco, partecipano tutte le donne del paese. Ispirata alla vera vicenda di Liliana Rossi, vissuta ad Ascoli Satriano (FG) e morta a ventiquattro anni, la storia è rievocata da Gerardo adulto, divenuto sacerdote. «Quello di Michele Placido sembra un film in costume per come ci trasporta in un’Italia che pare lontanissima. Placido ha ricostruito un Sud duro e struggente. Giovanna Mezzogiorno è bravissima nel calarsi nei panni di Liliana, questa ragazza che si inventa dal nulla una scuola “alternativa2 per i bambini poveri del suo paesello, e si batte contro la grettezza dei notabili democristiani ampiamente sostenuti, quasi 15 anni dopo la Liberazione, dagli ex fascisti: una vicenda politica che diventa anche un romanzo di formazione, vista attraverso gli occhi di un ragazzino che anni dopo – lo vediamo, nel prologo, interpretato dallo stesso Placido – diventerà un parroco da combattimento» (Crespi).

ore 21.00
Giorni e nuvole (2007)
Regia: Silvio Soldini; soggetto: Doriana Leondeff, Francesco Piccolo, S. Soldini; sceneggiatura: Doriana Leondeff, Francesco Piccolo, Federica Pontremoli, S. Soldini; fotografia: Ramiro Civita; scenografia: Paola Bizzarri; musica: Giovanni Venosta; montaggio: Carlotta Cristiani; interpreti: Margherita Buy, Antonio Albanese, Alba Rohrwacher, Giuseppe Battiston, Carla Signoris, Fabio Troiano; origine: Italia; produzione: Lumière & Co., Amka Films Productions, RTSI; durata: 116’
Elsa e Michele hanno una figlia di vent’anni e vivono una vita agiata e serena. Elsa ha potuto anche realizzare il sogno di lasciare il lavoro per dedicarsi allo studio della storia dell’arte. Proprio subito dopo la sua laurea, quando Elsa si sente finalmente appagata, arriva un fulmine a ciel sereno: Michele confessa di essere stato estromesso dalla società da lui fondata e di essere senza lavoro da due mesi. Elsa, nonostante tutto, riesce a fronteggiare la situazione ritrovando in sé un’insospettata energia, mentre Michele passa dall’euforia alla depressione a seconda di come procede la sua ricerca di lavoro. Il rapporto tra i due si incrina tanto da arrivare alla rottura, ma poi entrambi si rendono conto di non voler perdere l’unica cosa preziosa che hanno: il loro amore. Li aspetta ancora un lungo percorso di vita insieme. «Giorni e nuvole non è un film, sono tre film uno dentro l’altro, a costruire un racconto dall’equilibrio perfetto. Il primo film appartiene al piccolo Wenders: è uno sguardo metafisico su Genova, sui suoi spazi, sulle sue aperture fisiche e mentali magnificamente fotografate dall'operatore Ramiro Civita, lo stesso della Ragazza del lago. Il secondo è un film sociale. [...] Il terzo, forse quello al quale Soldini tiene di più, è un film d’amore. [...] Le scene più belle del film sono forse quelle in cui Michele, assieme a due suoi ex operai anche loro a spasso, fa lavoretti da muratore e scopre cosa si prova a lavorare davvero. Intorno a loro c’è una Genova dove il terziario sembra in crisi quanto la vecchia industria portuale, e un disoccupato quasi si vergogna di esultare quando lo riprendono al cantiere. Su tutto aleggia una musica arabeggiante che sembra suggerire come Genova non sia poi così diversa da Algeri, Beirut o Alessandria D'Egitto, da altre metropoli mediterranee che nella nostra ottusa mentalità appartengono al terzo mondo. Elsa e Michele sono Margherita Buy e Antonio Albanese: fenomenali. Esiste un quarto Soldini, il direttore d’attori, che ormai non ha più nulla da imparare» (Crespi).

18-19 maggio
Sei film sull’amore
Sulla scia nostalgica delle antiche emozioni, abbinate alla sapienza di raccontarle, nell’ambito della X edizione del Corso Polonia proponiamo sei film sull’amore diretti da vecchi maestri, famosi in Italia come Kieslowski e Wajda, meno conosciuti e ingiustamente dimenticati come Has, Konwicki e Morgenstern, fino alla produzione abbastanza recente di Majewski. Vi è nella nostra scelta non solo il rimorso per avergli prestato poca attenzione; c’è l’utopico bisogno personale di ritrovare, ogni volta che si entra nel cinema, un capolavoro che può trasformare la vita o, semplicemente, far conoscere le sue verità e aiutare ad affrontarla dignitosamente. Mai come questa volta siamo stati così sicuri della selezione. Vorremmo sperare che i film e i registi di questa breve rassegna rimarranno nella memoria collettiva del pubblico italiano. 
Rassegna a cura dell’Istituto Polacco di Roma
Si ringrazia Studio Perspektywa per la gentile concessione de Panny z Wilka (Le signorine di Wilko) di Andrzej Wajda

venerdì 18 
ore 17.00 
Panny z Wilka (Le signorine di Wilko, 1979)
Regia: Andrzej Wajda; soggetto e sceneggiatura: Zbigniew Kamiński; fotografia: Edward Kłosiński; scenografia: Allan Starski; musica: Karol Szymanowski; montaggio: Halina Prugar; interpreti: Daniel Olbrychski, Anna Seniuk, Christine Pascal, Maja Komorowska, Stanisława Celińska, Krystyna Zachwatowicz; origine: Polonia; produzione: Zespół Filmowy X; durata: 116’
Tratto dal racconto omonimo di Jarosław Iwaszkiewicz, il film di Andrzej Wajda, nominato agli Oscar per il miglior film straniero nel 1980, racconta la storia di Wiktor Ruben, uomo di mezza età che decide di recarsi nel villaggio di Wilko dove, in gioventù, era solito trascorrere il periodo estivo. Qui, come in un viaggio a ritroso nel tempo dal sapore proustiano, Wiktor rincontrerà cinque sorelle conosciute da giovane. Il loro inatteso ritrovarsi sconvolgerà il già delicato equilibrio emotivo delle sorelle, ormai adulte, nel lento scorrere delle lunghe e calde giornate estive. 
Versione originale con i sottotitoli in italiano

ore 19.00 
Ostatni dzień lata (L’ultimo giorno dell’estate, 1958)
Regia: Tadeusz Konwicki; soggetto e sceneggiatura: T. Konwicki; fotografia: Jan Laskowski; musica: Adam Pawlikowski; montaggio: Wiesława Otocka; interpreti: Irena Laskowska, Jan Machulski; origine: Italia; produzione: Studio Filmowe Kadr; durata: 66’ 
L’ultimo giorno dell’estate, vincitore del Grand Prix, sezione film documentari e cortometraggi a Venezia nel 1958, è il primo film di Tadeusz Konwicki, regista, scrittore e sceneggiatore polacco. L’idea di Konwicki era così semplice che il budget del film fu molto esiguo. Su una spiaggia deserta una donna e un uomo, malgrado l’attrazione reciproca, non sono capaci di vincere le loro paure e i traumi legati al recente passato. Un poetico confronto tra due solitudini. 
Prima italiana della versione restaurata - Versione originale con i sottotitoli in italiano

ore 20.30 
Inaugurazione della rassegna alla presenza di Lech Majewski 

a seguire
Ogród rozkoszy ziemskich (Il giardino delle delizie, 2003)
Regia: Lech Majewski; soggetto e sceneggiatura: L. Majewski; scenografia: Susanna Codognato, Leon Herlig; musica: L. Majewski, Józef Skrzek; montaggio: Eliot Ems, L. Majewski; interpreti: Claudine Spiteri, Chris Nightingale, Barry Chipperfield, Maria Novelli Martinoli, Gian Campi, Mariarosa Marchiori; origine: Polonia/Gran Bretagna/Italia; produzione: Multimedia Park, Metaphysics Ltd., Mestiere Cinema; durata: 104’
Il film, tratto dal libro Metafisica dello stesso Majewski, racconta la storia di Chris, prototipo dell’homo faber, e Claudia, una giovane storica dell’arte, appassionata del famoso quadro di Bosch Il giardino delle delizie. Il film racconta la loro storia d’amore, tra i segreti dell’universo di Bosch che i due amanti cercano di ricostruire e l’onnipresenza della morte, che il paesaggio di Venezia, dove fu girato il film, non fa che accentuare. Lo stile e le scelte tecniche adottate da Majewski in questo film rendono questo amore ancora più vero e dolorosamente bello. 
Versione originale con i sottotitoli in italiano

sabato 19 
ore 17.00 
Jak być kochaną (Come essere amata, 1962) 
Regia: Wojciech Jerzy Has; soggetto: dal romanzo omonimo di Kazimierz Brandys; sceneggiatura: K. Brandys; fotografia: Stefan Matyjaszkiewicz; musica: Lucjan Kaszycki; montaggio: Zofia Dwornik; interpreti: Barbara Krafftówna, Zbigniew Cybulski, Artur Młodnicki, Wieńczysław Gliński, Wiesław Golas, Wiesława Kwasniewska; origine: Polonia; produzione: Zespół Filmowy Kamera; durata: 97’
Tratto dal romanzo omonimo di Kazimierz Brandys, il film riflette sui meccanismi del sacrificio, della rinuncia e dell’umiliazione, sullo sfondo della seconda guerra mondiale. Felicja è una giovane attrice, innamorata del collega Wiktor che lei nasconde nel suo appartamento, in quanto sospettato di aver ucciso un collaborazionista nazista. Spera che la vicinanza le sarà d’aiuto nel conquistare l’amore dell’uomo che non ricambia però il suo affetto. 
Versione originale con i sottotitoli in italiano

ore 19.00 
Krótki film o miłości (Breve film sull’amore, 1988)
Regia: Krzysztof Kieślowski; soggetto e sceneggiatura: Krzysztof Piesiewicz, K. Kieślowski; fotografia: Witold Adamek; musica: Zbigniew Preisner; montaggio: Ewa Smal; interpreti: Grażyna Szapołowska, Olaf Lubaszenko, Stefania Iwińska, Piotr Machalica, Artur Barciś, Hanna Chojnacka; origine: Polonia; produzione: Studio Filmowe Tor, Wytwórnia Filmów Dokumentalnych; durata: 83’
La storia d’amore narrata da Kieślowski è la storia di uno sguardo. Tomek, un giovane impiegato alle poste, passa il suo tempo a spiare la sua bellissima vicina che, nel loro unico incontro che avviene a casa di lei, cerca di convincerlo che l’amore non esiste. «Noi osserviamo dal punto di vista della persona che ama e non della persona amata» (Kieślowski).
Versione originale con i sottotitoli in italiano

ore 21.00 
Trzeba zabić tę milość (Bisogna uccidere quest’amore, 1972)
Regia: Janusz Morgenstern; soggetto e sceneggiatura: Janusz Głowacki; fotografia: Zygmunt Samosiuk; musica: Bohdan Mazurek; montaggio: Barbara Kosidowska; interpreti: Jadwiga Jankowska-Cieślak, Andrzej Malec, Władysław Kowalski, Barbara Wrzesińska, Alicja Jachiewicz, Jan Englert Janusz Bylczyński; origine: Polonia; produzione: Studio Filmowe Iluzjon; durata: 92’ 
Che cosa significava amare a vent’anni negli anni Sessanta/Settanta nella Polonia comunista? I due protagonisti, stanchi della loro vita quotidiana, sognano l’indipendenza e un appartamento nuovo per cominciare una vita a due. Per realizzare i loro desideri però decidono di scendere a compromessi che si riveleranno presto fatali per il loro amore. Il film, interessante anche sul piano formale, annuncia la nascita del “cinema dell’inquietudine morale” (Kino Moralnego Niepokoju) che vede in Zanussi uno dei principali protagonisti. «Storia di un amore con le ali tarpate…» (Lukasz Maciejewski). 
Prima italiana della versione restaurata - Versione originale con i sottotitoli in italiano

domenica 20
Senza compromessi. Il cinema di Andrea Frezza
È morto a Vibo Valentia il 29 marzo 2012, dopo una lunga malattia, il regista Andrea Frezza. Aveva 74 anni ed era nato a Laureana di Borrello (Reggio Calabria). Giornalista, scrittore e documentarista, era riuscito a creare non poco scalpore con la sua opera d’esordio, Il gatto selvaggio (1969) in pieno clima di contestazione. «Il merito maggiore de Il gatto selvaggio era di essere pienamente partecipe del “movimento” non trasformandolo né in astratto mito palingenetico, né in furbesco rito consumabile, ma conservando una pensosa visione dialettica e una misura critica, adottando insomma nei suoi confronti una metodologia materialistica e dialettica. Frezza, infatti, sembrava cogliere acutamente l’irrazionalismo nichilistico (fondamentalmente borghese) come uno dei molti elementi della contestazione; ma al contempo individuava con pari vigore l’elemento di acquietamento “piccolo borghese” della realtà “di sinistra” che il suo protagonista così spietatamente eliminava», spiegava Lino Micciché. «[…] Frezza rifiutava il “film” come “prodotto” concluso, “spettacolo” chiuso, “contenitore” di ideologia, “portatore” di messaggi. […] Il rischio di un film siffatto era principalmente che esso non concedeva assolutamente nulla allo “spettatore” […], né un’evasione liberatoria, né una consolazione ideologistica. Era cioè qualcosa che, assai responsabilmente, si sottraeva sia ai vezzi della “commedia all’italiana” sia alle dubbie virtù della “contestazione consumata”. E infatti, contro gli oltre 600 milioni di Escalation e i circa 900 milioni di Grazie zia, Il gatto selvaggio incassò appena 26 milioni. E, punito per troppo rigore, Frezza attende ancora di fare il suo secondo film». Così concludeva amaramente Micciché. In realtà il secondo lungometraggio vedrà la luce, dopo una lunga permanenza negli Stati Uniti, nel 1997 L’ultimo bersaglio, incentrato su omicidi con un movente legato all’Olocausto. Ha, inoltre, pubblicato romanzi e racconti. Ma ancor prima del suo film d’esordio, Andrea Frezza ha frequentato la Cinémathèque Française e durante il soggiorno parigino ha lavorato come assistente di Henri Bresson. Rientrato in Italia, è stato allievo al Centro Sperimentale di Cinematografia e tra il 1963 e il 1964 ha lavorato come assistente di Orson Welles per Il processo.    

ore 17.00
Incontro all’alba (1962)
Regia: Andrea Frezza; soggetto e sceneggiatura: A. Frezza, William Azzella; fotografia: Luciano Mondani; scenografia: Umberto Sasso; costumi: Antonio Hallecher; interpreti: Adriana Ambesi, Maria Pia Vaccarezza; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 5’
In Algeria, una donna francese viene trascinata in cella con l’accusa di aver nascosto una ribelle. Esercitazione Csc di Frezza, che ricrea un’atmosfera da ultima notte, alla Sartre (Il muro), in un avvolgente bianco e nero, attraverso il quale filtrano la drammaticità degli eventi e lo stato d’animo della protagonista, fra angoscia e stupore, rabbia e rassegnazione.

a seguire
Pane e altro (1963)
Regia: Andrea Frezza; soggetto: A. Frezza; sceneggiatura: A. Frezza, William Azzella, José Marmol; fotografia: Giuseppe Lanci; scenografia: Umberto Campagna; costumi: Antonio Hallecher; interpreti: Vito Cipolla, Enzo Consoli, Giuseppina Apolloni, Arnaldo Bellofiore, Antonietta Fiorito, Lucia Tarenghi; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 17’
Benzinaio di origini meridionale vive nella periferia romana nella casa della sorella, sposata con un operaio, impegnato nelle lotte sindacali. Vorrebbe tornare a casa a fare il contadino, ma l’arresto del cognato lo costringe a rimanere. Echi pasoliniani, neorealismo di ritorno, preveggenze contestatarie, con l’uso di fotografie al posto degli scontri, sul fondo del contrasto esistenziale fra campagna e metropoli, tradizioni e (presunto) progresso. Il tutto stagliato su uno splendido bianco e nero, specie nelle scene, in ombra, del distributore di benzina, sperso nelle campagne, con i palazzoni che irrompono in lontananza.

a seguire
Il gatto selvaggio (1969)
Regia: Andrea Frezza; soggetto e sceneggiatura: A. Frezza; fotografia: Angelo Bevilacqua; scenografia: Napoleone Bizzarri; costumi: Gianna Gelmetti; musica: Benedetto Ghiglia; montaggio: Mario Morra; interpreti: Carlo Cecchi, Juliette Mayniel, Ferruccio De Ceresa, Pier Paolo Capponi, Gabriella Mulachiè, Francesca Benedetti; origine: Italia; produzione: 21 Marzo Cinematografica; durata: 75’
«È forse il film più serio che il cinema italiano abbia prodotto sul tema della contestazione e che, già pronto fin dall’estate del ’68, non trovò un’“uscita” che nell’ottobre del ’69 apparendo dunque impropriamente caricato di un “senno di poi”, quando invece si inseriva nel vivo del dibattito interno al “movimento” e vi portava con efficace lucidità il proprio fecondo apporto. La tesi di Frezza era che all’interno di quel dibattito vi fosse un elemento di furia superoministica e demoniaca (nel senso dostoevskiano del termine), che, portando a una progressiva eliminazione dei “falsi rivoluzionari” dall’arco ideologico contestatario, costringeva il “rivoluzionario puro” a un finale, paralizzante isolamento. Il quale oltre tutto, riduceva il discorso rivoluzionario iniziale a una sorta di solipsistico monologo da asceta della rivoluzione» (Micciché). Cecchi meteora del cinema sessantottino, prima del teatro e di Morte di un matematico napoletano. Da segnalare la presenza di Amelio quale aiuto regista. 

ore 19.00
L’ultimo bersaglio (1996)
Regia: Andrea Frezza; soggetto e sceneggiatura: A. Frezza; fotografia: Franco Di Giacomo; scenografia: Lucia Mirisola; costumi: Lina Nerli Taviani; musica: Stefano Marcucci; montaggio: Roberto Perpignani; interpreti: Silvia Cohen, Giancarlo Giannini, Giacomo Piperno, Andrea Jonasson, Pietro Biondi, Paolo Maria Scalondro; 
origine: Italia; produzione: Eurostar 95; durata: 110’
«All’inizio sembra un suicidio: a Venezia, il corpo di Giacomo Piperno, vecchio professore ebreo solitario scampato al lager di Birkenau, precipita dall’alto, si sfracella. Silvia Cohen, figlia del morto arrivata per il funerale del padre, anche grazie alla propria passata esperienza nei servizi segreti israeliani capisce che quel suicidio è dubbio, cerca la verità. L’indagine coinvolge Giancarlo Giannini, musicista amico del morto, un ambiguo turista argentino ospite d’un grande albergo al Lido nel 1972, una vecchia Luger, un figlio che vuole vendetta: nei suoi toni solenni e sospesi nella bella fotografia di Franco Di Giacomo, il film riporta alla vita attraverso la morte un tema che pareva logorato, mentre non finirà mai d’essere, angosciosamente, dolorosamente presente» (Tornabuoni).

Cinema muto, che passione!
La Cineteca Nazionale dedica un appuntamento mensile al cinema muto con la proposta di grandi classici, spesso in copie restaurate, così da allargare i confini della visione e tornare alle origini, alla sintassi. Per riscoprire la magia del cinema allo stato puro, l’essenza della creazione artistica, quando ogni soluzione equivaleva a un’invenzione. Parafrasando il pensiero di Gino De Dominicis sull’arte contemporanea – «Oggi, tra i tanti “rovesciamenti” si perpetua anche nell’arte una percezione del tempo rovesciata; l’arte e gli artisti contemporanei infatti si considerano e sono considerati moderni, mentre venendo dopo tutto ciò che li precede, dovrebbero sapere di essere più antichi» –, la vera modernità, intesa come scoperta e innovazione, risiede proprio nelle origini.

ore 21.00
Der letzte Mann (L’ultima risata, 1924)
Regia: Friedrich Wilhelm Murnau; soggetto e sceneggiatura: Carl Mayer; fotografia: Karl Freund; interpreti: Emil Jannings, Maly Delschaft, Max Hiller, Emilie Kurz, Hans Unterkirchen, Georg John; origine: Germania; produzione: Decla Film/Ufa; durata: 91’
«Degradato a custode dei gabinetti perché non ha più la forza per portare i bagagli dei clienti, il portiere dell’albergo Atalantic (Jennings) perde così il diritto a portare la sua livrea gallonata: lui continua a metterla la sera quando torna a casa e così vestito partecipa alle nozze della figlia (Delschaft), ma quando i suoi vicini scopriranno la retrocessione, il genero (Hiller) lo scaccerà di casa costringendolo a passare la notte nei gabinetti dell’hotel. [...]. Pietra miliare del cinema muto e capolavoro del cosiddetto Kammerspiel (teatro di camera), questo film [...] utilizza in maniera innovativa la possibilità di movimento offerto da una macchina da presa montata su un carrello, mobile a tal punto da “diventare un personaggio del dramma che partecipa all’azione” [...]. In questo modo Murnau riesce a equilibrare perfettamente l’illustrazione della vecchiaia e la sofferenza di un essere umano [...] con l’analisi delle illusioni che condizionano il giudizio degli altri – accentuate e ingigantite dalle angolazioni della macchina da presa – fino a trasformare il portiere in un simbolo della Germania “degradata” dal disarmo dopo la Grande Guerra e incapace di accettare questa situazione» (Mereghetti).
Didascalie in inglese 
Accompagnamento musicale del M° Antonio Coppola 

lunedì 21
chiuso

martedì 22
Orizzonti 1960-1978: il cinema umano non umano di Mario Schifano
La retrospettiva del Festival di Venezia, curata da Enrico Magrelli, Domenico Monetti, Luca Pallanch e organizzata dal Centro Sperimentale di Cinematografia - Cineteca Nazionale, viene riproposta con appuntamenti monografici dedicati ai registi e agli artisti protagonisti dell’evento. Questo mese è la volta di Mario Schifano.
«Vedi, la pittura, nonostante tutto, non riesce a completarmi. È che gli uomini somigliano più al cinema che alla pittura: in un film camminano, mangiano, fanno l’amore, così come accade veramente; nella pittura no». Così spiegava Mario Schifano, in un’intervista a Enzo Siciliano sul suo passaggio dalla pittura al cinema. Le sue prime esperienze cinematografiche risalgono agli inizi degli anni Sessanta. Tra pittura e cinema sembra esserci comunque un fil rouge, essendo il suo metodo e la sua estetica di lavoro la velocità, l’istantaneità, il non perfezionismo. I cortometraggi sono il terreno seminale per la futura trilogia dell’artista (Satellite, Umano non umano e Trapianto, consunzione e morte di Franco Brocani), autentiche vetrine di volti e situazioni che hanno fatto epoca, di ambienti e luoghi oggi forse irriconoscibili, tanto da assumere un loro valore “etnoantropologico” come giustamente notava Giorgia Calò. Sono immagini che hanno come caratteristica non il soggetto rappresentato, bensì il modo in cui queste immagini vengono percepite dallo spettatore. A proposito della produzione filmica di Schifano, Arturo C. Quintavalle scriveva: «Egli infatti costruisce un racconto della memoria… dove si intersecano immagini viste, immagini mediate dalla serie dei media, stratificazioni con durata diversa, improvvise associazioni, connessioni visive […]. I films di Schifano puntano alla totale contemporaneità ed hanno un ritmo snodantesi come sistema di visioni allucinantamente oniriche intersecate o in associata successione». Dopo un progetto, sceneggiato dall’artista e da Tonino Guerra, purtroppo non andato in porto, Human Lab (Laboratorio umano), che doveva essere prodotto da Carlo Ponti e che doveva segnare l’ingresso nel cosiddetto cinema ufficiale, Schifano torna alla pittura. «In Schifano, per Schifano, non era importante il soggetto del vedere, né il soggetto “visto”. Né le cose né le forme, né la distanza tra le cose, né quella tra le persone o tra le forme. Trovare la distanza, estrema malinconia, nella vicinanza, nell’appropriazione immediata che tanto ci sembra la visione. Non corpo e ombra, immagine e riflesso, rimbalzo, eco. Ma l’ombra nel corpo, il corpo nell’ombra, il riflesso nell’istante, il nero nella luce (l’assenza nella presenza che l’immagine fa balenare. Con aura senz’aura)» (enrico ghezzi).
L’evento è curato dalla Cineteca Nazionale con l’Archivio Mario Schifano.

ore 17.30
Umano non umano (1969)
Regia, soggetto e sceneggiatura: Mario Schifano; fotografia: Mario Vulpiani; montaggio: Rosanna Coppola; interpreti: Alexandra Stewart, Carmelo Bene, Rada Rassimov, Mick Jagger, Keith Richard, Sandro Penna, Alberto Moravia; origine: Italia; produzione: Mount Street Film; durata: 95’
«Di fronte al “non umano” della chiacchiera culturale occidentale (Calvesi che parla d’arte, Aprà che parla di cinema, Moravia che parla di civiltà dei consumi, dei miti e dei riti della mondanità borghese […] dello spettacolo come vanità […] o della cultura come solitudine), sta l’“umano” della resistenza vietnamita, della rivoluzione cinese, del popolo sorridente» (Miccichè). Film presentato al Festival di Venezia nel 1969. «Umano non umano, uno dei pochi film d’artista ad essere stato prodotto, è da molti critici considerato come il più bel esempio sperimentale del cinema italiano anni Sessanta. Nel film fanno da cerniera tra una sequenza e l’altra le immagini di guerra riprese dalla televisione, mentre il trait d’union sonoro è il battito cardiaco che cessa solo in alcuni momenti» (Rebecca Teciuba).

19.30
Reflex (1964)
Regia: Mario Schifano; fotografia, montaggio: Mario Schifano; durata: 16’
Durante la permanenza a New York Schifano gira questo film nello studio del famoso fotografo di moda Bob Richardson. Il film anticipa il capolavoro di Antonioni Blow-up, uscito in sala un paio di anni dopo.

a seguire
Fotografo 
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 3’
Al contrario di Reflex il centro dell’interesse di Schifano in questo brevissimo film sono le modelle di Gattinoni e non il fotografo. Senza datazione.

a seguire 
Ferreri 
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 16’
Mario Schifano era molto amico di Marco Ferreri che qui riprende nei loro incontri, immagini private che vedono protagonisti anche Mimmo Rotella e Franco Brocani. Senza datazione.

a seguire 
Vietnam (1967)
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 7’
La guerra del Vietnam è la prima guerra raccontata dalla televisione e per Schifano può essere vista solo attraverso questo nuovo elettrodomestico filtro del reale. Fanno incursione nel film Marco Ferreri e Ettore Rosboch.

a seguire
Anna (Anna Carini Naturale) 
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 12’
Anna Carini, la compagna di Schifano in quegli anni, è la protagonista assoluta di questo piccolo film che ripropone tutti gli stilemi del film di famiglia ma in maniera non ingenua. Senza datazione.

ore 20.45
Incontro moderato da Arnaldo Colasanti con Monica Schifano, Luca Ronchi, Ettore Rosboch

a seguire
Souvenir (1967)
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 11’
Peter Hartman e Gerard Malanga visitano San Pietro mescolandosi ai numerosi turisti. I loro corpi e le loro azioni contrappuntano in maniera ironica lo spazio di una nuova sacralità: quella del turismo di massa.
Ingresso gratuito

a seguire
Film (1967) 
Regia: Mario Schifano; fotografia, montaggio: Mario Schifano; durata: 15’
Prima della realizzazione dei tre lungometraggi Mario Schifano dirige la macchina da presa verso le persone che lo circondano a creare dei veri e propri diari filmati. I suoi amici, la compagna del tempo e gli artisti che frequentava sono ritratti nella loro quotidianità o oggetto dello sguardo meccanico della mdp, filtro attraverso cui poter guardare il mondo esterno. Protagonisti del film sono: Annie Girardot, Renato Salvatori, Ettore Rosboch, Anna Carini, Keith Richards.
Ingresso gratuito

a seguire 
Carol + Bill
Regia, fotografia e montaggio: Mario Schifano; origine: Italia; durata: 30’
William Berger e sua moglie Carol sono i protagonisti di questo film muto, in cui i corpi vengono in primo piano e lo sguardo diventa ossessivo. Senza datazione.
Ingresso gratuito

mercoledì 23
Musicisti dello schermo: Enzo Masetti
Sulla scia delle iniziative di studio e di spettacolo che nel 2011 hanno commemorato il centenario di Nino Rota, celebrando implicitamente valore e vitalità della “buona” musica cinematografica, la Cineteca Nazionale presenta una serie di essenziali retrospettive dedicate ai maggiori musicisti italiani dello schermo attivi tra gli anni Trenta e i nostri giorni. Attraverso film classici del nostro cinema e qualche meno prevedibile “ripescaggio” verranno riproposte all’ascolto – e all’audiovisione – quelle espressioni di alto e spesso oscuro artigianato musicale che hanno spianato la via a fenomeni di ampio apprezzamento e incidenza sociale, nonché di attenzione musicologica, come quelli oggi attribuiti a figure quali Ennio Morricone o Nicola Piovani, o, retrospettivamente, al già ricordato Nino Rota. Per lungo tempo guardata con sospetto come «una sopravvivenza artificiale della musica romantica» – la formula è di Kundera, ma fa perfettamente al caso nostro –, la musica per lo schermo si è gradualmente guadagnata una dignità, una necessità e un rilievo che è difficile contestarle oggi. Quantomeno nei suoi esempi migliori.
Ad aprire la serie di giornate su Musicisti dello schermo sarà la figura di Enzo Masetti, «un semplice musicista che milita anche, e con appassionato fervore, nel campo cinematografico»: così il Maestro definiva se stesso in un suo scritto pubblicato nel 1950. Perché oltre ad essere compositore di collaudata perizia di scrittura e intelligenza dell’immagine (Cavalleria di Alessandrini, Fari nella nebbia di Franciolini, Vulcano di Dieterle, Il brigante Musolino di Camerini) tanto da incarnare già tra le due guerre l’archetipo italiano dello “specialista”, Masetti fu anche saggista penetrante, divulgatore e didatta: tra i primi anni Quaranta e il 1960 tenne infatti corsi paralleli di “Musica per cinema” al Conservatorio di S. Cecilia e presso il Centro Sperimentale di Cinematografia. All’incontro su Masetti seguiranno, con cadenza mensile, appuntamenti dedicati ad Alessandro Cicognini, Angelo Francesco Lavagnino, Carlo Rustichelli e Armando Trovajoli.
Rassegna a cura di Sergio Bassetti

ore 17.00 
Piccolo mondo antico (1941) 
Regia: Mario Soldati; soggetto: dal romanzo omonimo di Antonio Fogazzaro; sceneggiatura: Mario Bonfantini, Emilio Cecchi, Alberto Lattuada, M. Soldati; fotografia: Arturo Gallea, Carlo Montuori; scenografia: Gastone Medin; costumi: Gino C. Sensani, Maria De Matteis; musica: Enzo Masetti diretta da Fernando Previtali; montaggio: Gisa Radicchi Levi; interpreti: Alida Valli, Massimo Serato, Mariù Pascoli, Annibale Betrone, Ada Dondini, Giacinto Molteni; origine: Italia; produzione: A.T.A.; durata: 107’
Tratto dal celebre romanzo di Antonio Fogazzaro Piccolo mondo antico, il film di Soldati racconta la storia di Franco, il quale, nella Lombardia austriaca, sposa la figlia di un modesto funzionario, Luisa, senza il consenso della nonna. Inizia così una persecuzione nei loro confronti. «Masetti si mette disciplinatamente al servizio del racconto, di cui sottolinea con misura e gusto tanto gli aspetti sornioni e affettuosamente caricaturali della fauna umana che quel piccolo mondo abita, quanto i risvolti tragici – e poi redentivi – legati alla tragedia della piccola Ombretta. Tra le tante, vanno segnalate le pagine della partenza di Franco, dove il flusso musicale si arresta e poi riparte a più riprese per accogliere il canto di una campana che dà commiato alla barca dalla riva del lago; e l’altra, turbinosa, che fa da prologo all’incontro/scontro tra Luisa e la marchesa Maironi, affidata, onomatopeicamente, all’incalzante mulinare ostinato di un disegno degli archi. Già qui Masetti manifesta la sua tendenza ad accompagnare, degli eventi drammatici rappresentati, soprattutto le fasi preparatorie, per poi scegliere il silenzio quando il dramma si consuma» (Bassetti).

ore 19.00 
Processo alla città di Luigi Zampa (1952)
Regia: Luigi Zampa; soggetto: Ettore Giannini, Francesco Rosi; sceneggiatura: Suso Cecchi d’Amico, E. Giannini; collaborazione alla sceneggiatura: Diego Fabbri, L. Zampa, Turi Vasile; fotografia: Enzo Serafin; scenografia: Eraldo da Roma; costumi: Maria De Matteis; musica: Enzo Masetti diretta da Fernando Previtali; montaggio: Eraldo Da Roma; interpreti: Amedeo Nazzari, Silvana Pampanini, Paolo Stoppa, Mariella Lotti, Franco Interlenghi, Irene Galter; origine: Italia; produzione: Film Costellazione; durata: 108’
Ai primi del secolo, a Napoli, il giudice Antonio Spicacci emette alcuni mandati di cattura nei confronti di alcune persone coinvolti in due omicidi di stampo camorristico. La matassa è intricatissima, gli indiziati sono numerosi, alcuni insospettabili, e i malviventi godono di protezioni e conoscenze altolocate. Il giudice Spicacci si trova di fronte a un bivio: lasciar perdere l’indagine o andare fino in fondo, a costo di mettere a soqquadro la città? « Nella partitura, che Masetti tiene a freno per buona parte del primo atto, si ascoltano due temi maggiori: uno legato alla camorra, torvo e minaccioso, e quello, virato su registri patetici, che fa richiamo alla figura tragica ed esemplare di Luigino Esposito. In altri termini, le due facce di Napoli: quella notturna e “malavitosa”, e l’altra, ingenua e appassionata, che designa affettuosamente il popolo dei diseredati. Tra questi due poli musicali Masetti si muove con acceso gusto timbrico e senso del colore locale. Da segnalare, in partitura, l’episodio della fuga attraverso i vicoli di Luigino e della sua fidanzata: qui un accorato canto di strada contrappunta la voce dell’orchestra, creando un gioco responsoriale di alta suggestione. Significativo, poi, che il bandolo narrativo stesso di Processo alla città si annodi a un elemento musicale: una canzone, Tradimento, che si fa implacabile atto d’accusa nei confronti di chi l’ha scritta» (Bassetti).

ore 21.00 
Incontro moderato da Sergio Bassetti con Steve Della Casa

a seguire 
Le fatiche di Ercole (1958)
Regia: Pietro Francisci; soggetto: P. Francisci da Le Argonautiche di Apollonio Rodio; sceneggiatura: Ennio De Concini, P. Francisci, Gaio Fratini; fotografia: Mario Bava; scenografia: Flavio Mogherini; costumi: Giulio Coltellacci; musica: Enzo Masetti diretta da Carlo Savina; montaggio: Mario Serandrei; interpreti: Steve Reeves, Sylva Koscina, Ivo Garrani, Arturo Dominici, Mimmo Palmara, Lydia Alfonsi; origine: Italia; produzione: Oscar Film, Galatea; durata: 103’ 
Le dodici fatiche di Ercole (alla conquista del Vello d’oro) si riducono a tre: la lotta contro il leone di Nemea, quella contro il toro di Creta e lo scontro con le Amazzoni. 
Il mitico capostipite del peplum. «È sotto il segno della dismisura che si colloca la partitura per Le fatiche di Ercole: la misura, l’economia degli interventi, cede qui il posto a un’opulenza necessaria, alla declamazione, vuoi per la scala dei personaggi, tutti indistintamente fuori misura – come si addice a dei, semidei ed eroi –, vuoi per un regime rappresentativo sommario, alla buona, in cui alla musica è convenientemente delegata una sensibile porzione di epos, altrimenti latitante per pochezza di mezzi produttivi. E che dire poi della impagabile cadenza di voga consegnata al coro dei marinai, ai quali si avvicenda Orfeo in persona che sulla lira sprona la baldanza degli Argonauti ai remi coi versi dannunziani “Deh, Anfitrite del mar / venti del ciel / invochiam…”: da antologia» (Bassetti).
Ingresso gratuito

giovedì 24 
La sottile linea rosa 3. Appuntamenti con il cinema delle donne
Lavorare stanca
Dopo i successi della prima e della seconda edizione della rassegna, curate da Maria Coletti e dedicate nel 2006 e nel 2007 a una carrellata lungo trent’anni di cinema italiano al femminile, riallacciamo il filo con la produzione cinematografica italiana realizzata dalle donne, in una ipotetica “controstoria” del cinema italiano, attraverso figure di registe o attrici che vogliamo ricordare e (ri)vedere. Gli appuntamenti mensili, a cura di Maria Coletti e Annamaria Licciardello, vogliono tessere una sorta di storia sotterranea, che possa rendere conto, pur con le inevitabili lacune, di ciò che è stato prodotto in questi anni dalle donne, attraverso le mille tematiche affrontate, e i molti stili che le riflettono: il corpo, la memoria, la storia, il paesaggio italiano e le trasformazioni sociali e familiari, le piccole e grandi resistenze. Una molteplicità di sguardi e di riflessioni sul cinema e sulla realtà italiana che trova un corrispettivo linguistico anche nella varietà dei formati, dalla pellicola al video, dalla finzione al documentario.
Ricollegandoci alla minirassegna dedicata al lavoro e a come esso influisce in positivo e in negativo sulla vita delle donne, dedichiamo l’appuntamento di maggio a tre film di tre registe che hanno saputo raccontare una condizione lavorativa sempre più difficile da gestire. Mobbing (Francesca Comencini), precariato (Anna Negri), classe operaia (Wilma Labate): tre parole chiave di un presente lavorativo pieno di difficoltà e di incertezza, che affonda le radici nel passato e si proietta nel futuro, sempre più spesso declinato al femminile.

ore 17.00
Mi piace lavorare - Mobbing (2003)
Regia: Francesca Comencini; soggetto e sceneggiatura: F. Comencini; fotografia: Luca Bigazzi; scenografia: Paola Comencini; costumi: Antonella Berardi; musica: Gianluigi Trovesi, Gianni Coscia; montaggio: Massimo Fiocchi; interpreti: Nicoletta Braschi, Camille Dugay Comencini, Marina Buoncristiani, Roberta Celea, Assunta Cestaro, Stefano Colace; origine: Italia; produzione: Bianca Film, Bim Distribuzione, Rai Cinema; durata: 89’
Anna è segretaria in un’azienda che viene rilevata da una grande multinazionale. La freddezza del nuovo direttore del personale innesca un’escalation di piccole e grandi umiliazione e tentativi di emarginazione sia sul lavoro che nella relazione tra i colleghi. Anna soffre molto per questa nuova situazione, trovando sostegno e la forza di andare avanti nel rapporto con la figlia. «Mi piace lavorare di Francesca Comencini è un film intimista che va dritto al cuore e al contempo affronta un grosso problema sociale, quello del mobbing: ovvero della vessazione psicologica sul lavoro. Nella vibrante e sommessa interpretazione della Braschi ben corrisposta dalla piccola Camille Dugay (figlia della Comencini), il rapporto d’amore madre-figlia è il vero centro emotivo di questo bel film» (Levantesi).

ore 19.00
Riprendimi (2008)
Regia: Anna Negri; soggetto: A. Negri; sceneggiatura: A. Negri, Giovanna Mori; fotografia: Gian Enrico Bianchi; scenografia: Roberto De Angelis; costumi: Antonella Cannarozzi; musica: Dominik Scherrer; montaggio: Ilaria Fraioli; interpreti: Alba Rohrwacher, Marco Foschi, Valentina Lodovini, Stefano Fresi, Alessandro Averone, Marina Rocco; origine: Italia; produzione: Bess Movie srl, Medusa Film, Sky; durata: 93’
Lucia e Giovanni, una giovane coppia con un bambino piccolo, sono prescelti come protagonisti di un documentario sul precariato dei lavoratori dello spettacolo. Sotto gli occhi dei due documentaristi e della loro telecamera la loro relazione però entra in crisi, in una precarizzazione delle relazioni che rispecchia e si confonde con quella economica. «Il continuo slittamento del punto di vista, dalle riprese dei documentaristi alla vita vissuta, oltre a ben funzionare sul piano orizzontale della narrazione, riesce a far dialogare, sull’asse verticale del significato, la crisi personale di una coppia con lo sbandamento sociale del loro tempo. Il precariato genera instabilità nel lavoro e nella vita privata. Si lascia e si è lasciati così come si trova e si perde un lavoro. La confusione e lo sbandamento dei due protagonisti sono la materia di cui si è fatto l’incubo del precariato» (Zonta).

ore 21.00
Signorinaeffe (2008)
Regia: Wilma Labate; soggetto: W. Labate, Carla Vangelista, Francesca Marciano; sceneggiatura: W. Labate, C. Vangelista, Domenico Starnone; fotografia: Fabio Zamarion; scenografia: Gian Maria Cau; costumi: Nicoletta Quaranta; musica: Pasquale Catalano; montaggio: Francesca Calvelli; interpreti: Valeria Solarino, Filippo Timi, Sabrina Impacciatore, Fausto Paravidino, Rosa Pianeta, Clara Bindi; origine: Italia; produzione: Bianca Film, Rai Cinema; durata: 95’
Torino 1980. Emma è figlia di immigrati meridionali ma sembra destinata alla scalata sociale: laureanda in matematica, lavora come impiegata nel settore informatico della Fiat ed è fidanzata con un dirigente dell’azienda, vedovo e con una figlia. La Fiat annuncia quindicimila licenziamenti che danno il via a un duro scontro tra gli operai e l’amministrazione. Per Emma sarà un momento decisivo sia sul piano lavorativo che sentimentale. «Nella migliore tradizione del cinema italiano, Wilma Labate sceglie una storia privata per parlare di quella pubblica, stringe l’obbiettivo sui personaggi per allargarlo sui paese. E ad ulteriore merito, decide di usare una giovane donna come perno dell’intera costruzione narrativa e filmica. La stessa macchina da presa sembra muoversi assieme alle emozioni della giovane, alle sue impennate di passione, alla carnalità dei suoi vent’anni. Restano fuori terrorismo e pistole, ma trova invece corpo la fabbrica, anche se poco inquadrata. Quella delle presse, del rumore assordante, del grasso» (Ronconi).

25-27 maggio
Omaggio a Tonino Guerra
«Alle 8.30 della mattina del 21 marzo 2012, in Piazza Ganganelli, a Santarcangelo, nella casa di Tonino Guerra è entrato il silenzio», sono queste le parole con le quali la moglie Lora e il figlio Andrea, musicista, hanno comunicato la scomparsa di Tonino Guerra, lo sceneggiatore, il poeta, l’affabulatore e costruttore di storie che sono entrate nella memoria del cinema. Una filmografia vastissima, iniziata negli anni gloriosi del neorealismo, proseguita nei toni grotteschi dalle sfumature surreali della commedia, per poi inoltrarsi nei mondi onirici e visionari di Federico Fellini o nelle alienazioni di una società in mutazione (Michelangelo Antonioni), senza mai dimenticare l’impegno civile (Francesco Rosi). «Un mondo straordinario e colorato, suggestivo e lirico, dove immagini e parole si incontrano per raccontarci realtà, favole e misteri del nostro tempo», scriveva Giacomo Martini curatore del volume Una regione piena di cinema. Tonino Guerra. «Tonino Guerra è soprattutto un poeta, un artista che indaga l’anima del mondo e degli uomini per scoprirne i più intimi segreti, le loro più nascoste emozioni, i sogni e le speranze, ci ha raccontato con il suo lavoro, non solo nel cinema, le bellezze di un ambiente che rischia di scomparire a causa dell’aggressione dell’uomo e ci ha insegnato a ritrovare nelle piccole cose della natura». Curioso che questo inizio 2012 sia stato segnato da due gravi lutti nel mondo del cinema: Angelopoulos e Guerra. Il celebra sceneggiatore aveva infatti collaborato a diversi film del cineasta greco, scomparso il 24 gennaio, e a lui aveva dedicato il suo ultimo romanzo, Polvere di stelle. 

«Se volessimo usare una metafora geografica potremmo metterla così: nel grande mare della poesia si distinguono le isole e i faraglioni dell’arcipelago Tonino Guerra; e ogni terra emersa, grande o piccola che sia, ha il nome di un film, di un romanzo, o anche soltanto di un’idea, in una successione infinita che a vita d’occhio si prolunga e si perde oltre l’orizzonte. In questa plaga l’arte è bellezza naturale, la spontaneità è lo smalto delle cose, l’intelligenza fa la vista più acuta, il linguaggio ritrova il sillabario dei sentimenti e l’umorismo trasporta tutto in un’atmosfera di liberazione come per un ballo sull’aia».
                       Tullio Kezich

venerdì 25
ore 17.00
L’assassino (1961)
Regia: Elio Petri; soggetto: Tonino Guerra, E. Petri; sceneggiatura: Pasquale Festa Campanile, Massimo Franciosa, E. Petri, T. Guerra; fotografia: Carlo Di Palma; scenografia: Carlo Egidi; costumi: Graziella Urbinati; musica: Piero Piccioni; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Marcello Mastroianni, Micheline Presle, Cristina Gajoni, Salvo Randone, Andrea Checchi, Giovanna Gagliardo; origine: Italia/Francia; produzione: Titanus, Vides Cinematografica, S.G.C.; durata: 98’
Alfredo Martelli è un giovane antiquario che viene fermato dalla polizia e portato alla Centrale senza avere spiegazioni dagli agenti. Dentro di sé l’uomo fa mille ipotesi sulle ragioni di quell’arresto: non sospetta nemmeno lontanamente che è indiziato di omicidio. La donna uccisa è una sua ex amante che l’antiquario ha incontrato proprio la sera prima della morte per chiederle la dilazione del pagamento di un debito. «È da notare, poi, come ne L’assassino siano contenuti [...] germi delle opere del Petri maturo: la descrizione degli ambienti della questura e della prigione, ad esempio, anticipa Indagine: per inciso, ma non troppo, è da considerare come si trattasse, allora, di argomenti poco meno che tabù [...]; e infatti la censura (non ancora “riformata” dalla legge del 1962) infierì sulla pellicola con un gran numero di piccoli tagli. Superfluo [...] sottolineare [...] la destrezza, la sicurezza del mestiere che il regista debuttante manifesta; l’evidenza del buon rapporto stabilito con gli attori [...]; la cura delle immagini, con l’apporto di un operatore, come Carlo Di Palma» (Savioli). «Lo sceneggiatore (e soggettista) definirà L’assassino (1961) e I giorni contati (stesso anno) “dei buoni film” e nelle sue dichiarazioni non indulgerà mai troppo su di essi come su di essi non insisteranno successivamente i suoi intervistatori. Tanto basta per sospettarli come cose molto sue e anche per ritenerli cose molto pregevoli in una prospettiva generale» (Pellizzari).

ore 19.00
Pianeta Tonino. Incontro con Tonino Guerra (2002)
Regia: Antonietta De Lillo; fotografia: Marco Tani; montaggio: Giogiò Franchini; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 50’
«Il ritratto dedicato a Tonino Guerra è un “disegno” in bilico tra la “grandezza” delle sue parole regalate alla poesia e al cinema e la semplicità del suo vivere “ritirato” a Pennabilli, luogo nel quale si respira un po’ ovunque la sua presenza. Tonino Guerra, intrecciata con alcune sequenze tratte dai film che testimoniano la sua lunga carriera di sceneggiatore di oltre 80 film, il suo rapporto con grandi registi quali Fellini, Antonioni, Rosi, Tarkovskij, i Taviani, Angelopoulos che, come Tonino ama ricordare, “sono quelli che lo hanno cercato, che hanno creduto di trovare in una parte di lui o in lui, quello che a loro fa comodo”. Ho tentato di costruire attraverso le sue parole, le sequenze dei film, le testimonianze della moglie, degli amici di Pennabilli, di Francesco Rosi e dei fratelli Taviani, un unico discorso capace di raccontare non tanto gli avvenimenti della sua vita, quanto le emozioni e le circostanze che li hanno generati. L’esplorazione della vita di Tonino Guerra mi ha rivelato un personaggio difficile, ma generosissimo; la cosa che più colpisce di lui è il modo in cui la sua energia creativa contamina tutto ciò che lo circonda: Tonino, con le sue poesie, con le sue sculture, le sue fontane, le sue porte, i suoi tanti segni, è riuscito a creare un mondo quasi da favola in cui vivere concretamente. Il Pianeta Tonino è, per me, il risultato dell’incontro con un uomo che possiede una enorme forza vitale, attraverso la quale egli costruisce le sue “favole” per sconfiggere la sua (e la nostra) più grande paura: la noia e la prevedibilità della vita quotidiana» (Antonietta De Lillo).

a seguire
L’avventura (1960)
Regia: Michelangelo Antonioni; soggetto: M. Antonioni; sceneggiatura: M. Antonioni, Elio Bartolini, Tonino Guerra; fotografia: Aldo Scavarda; scenografia: Piero Poletto; costumi: Adriana Berselli; musica: Giovanni Fusco; montaggio: Eraldo Da Roma; interprete: Gabriele Ferzetti, Monica Vitti, Lea Massari, Dominique Blanchar, Renzo Ricci, James Addams; origine: Italia/Francia; produzione: Cino Del Duca, Societé Cinématographique Lyre; durata: 140’
Durante una crociera in Sicilia, una donna scompare misteriosamente. Il fidanzato e l’amica la cercano, sempre meno disperatamente… «Inedita l’utilizzazione del paesaggio siciliano come protagonista implicito: inospitale per i personaggi, esso costituì una notevole fonte di problemi anche per le riprese, avvenute su uno scoglio delle isole Eolie con il mare in tempesta» (Mereghetti). «Ci sono dei film gradevoli e dei film amari, dei film leggeri e dei film dolorosi. L’avventura è un film amaro, spesso doloroso. Il dolore dei sentimenti che finiscono o dei quali si intravvede la fine nel momento stesso in cui nascono. Tutto questo raccontato con un linguaggio che ho cercato di mantenere spoglio di effetti» (Antonioni). «Su un giornale di quei tempi (“Italia Domani” del 31 maggio 1959), a proposito de L’avventura che è al suo primo giro di manovella, leggiamo: “Il soggetto è dello stesso Antonioni, che però dichiara di aver trovato utilissimi e “funzionali” collaboratori nei due sceneggiatori Tonino Guerra e Elio Bartolini: due personalità molto diverse – il primo è un romagnolo sanguigno, un perfetto “tecnico”; il secondo è uno scrittore, un “intellettuale lucido” – che tutte e due hanno molto contribuito alla costruzione del romanzo”. Ebbene, quel “tecnico”, non ancora riconosciuto come “scrittore”, ha già compreso come nel nuovo Antonioni la parola sia destinata a soccombere davanti all’immagine, le battute di dialogo rischino di risultare infelici perché mutate di destinazione e di contesto, l’antipsicologismo stia per diventare la norma, la suggestione letteraria sia allo sbando e la rarefazione faccia il resto: occorre agire in termini di “segmenti” da un lato e in termini di “struttura” dall’altro, appunto fungere e funzionare da “tecnico”. L’avventura, felicemente definito “un giallo dei sentimenti”, richiede che venga sottolineato il termine “giallo” in quanto sintomo di perfetta struttura narrativa e venga trascurato il termine “sentimenti” in quanto retaggio di una letteratura negata se non nelle forme dell’“antiromanzo” di scuola francese» (Pellizzari).

sabato 26
ore 17.00
La noia (1963)
Regia: Damiano Damiani; soggetto: dal romanzo omonimo di Alberto Moravia; sceneggiatura: Tonino Guerra, Ugo Liberatore, D. Damiani; fotografia: Roberto Gerardi; scenografia: Carlo Egidi; costumi: Angela Sammaciccia; musica: Luis Enriquez Bacalov; montaggio: Renzo Lucidi; interpreti: Horst Buchholz, Catherine Spaak, Bette Davis, Georges Wilson, Leonida Repaci, Isa Miranda; origine: Italia/Francia; produzione: Compagnia Cinematografica Champion, Les Films Concordia; durata: 104’
«Dino, scoperta la sua incapacità di comunicare con il prossimo, si abbandona all'ozio più completo in compagnia di una giovanissima modella per la quale prova solo un’attrazione fisica. Anche questa passione sta per annoiarlo quando scopre che la ragazza, Cecilia, lo tradisce. Sorge allora in lui una furiosa gelosia che lo acceca. Pur di tenere legata a sé Cecilia, Dino le chiede di sposarlo» (www.cinematografo.it). «La noia è un romanzo di Moravia che Tonino Guerra e io, in fase di sceneggiatura, abbiamo tentato di rispettare quasi alla lettera, anche perché era una storia molto semplice […]. In fase di sceneggiatura, Moravia un po’ comparve, un po’ collaborò, perché gli facemmo scrivere i dialoghi. E quella, secondo me, fu un’operazione giusta. Nei confronti di una sua opera trasposta per lo schermo Moravia ha un’opinione precisa che io condivido: che un regista può fare qualsiasi cosa da un romanzo perché tanto è un’altra faccenda» (Damiani).

ore 19.00
Matrimonio all’italiana (1964)
Regia: Vittorio De Sica; soggetto: dalla commedia Filumena Marturano di Eduardo De Filippo; sceneggiatura: Renato Castellani, Tonino Guerra, Leo Benvenuti, Piero De Bernardi; fotografia: Roberto Gerardi; scenografia: Carlo Egidi; costumi: Vera Marzot; musica: Armando Trovajoli; montaggio: Adriana Novelli; interpreti: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Aldo Puglisi, Tecla Scarano, Marilù Tolo, Vito Morriconi; origine: Italia/Francia; produzione: Compagnia Cinematografica Champion, Les Films Concordia; durata: 104’
«Dopo essere stata per molti anni la domestica e l’amante di Domenico Soriano, Filomena si finge in punto di morte per farsi sposare. Ma l’uomo scopre l'inganno ed è risoluto a sciogliere il matrimonio. La donna però non si arrende e gli rivela di avere tre figli, uno dei quali è figlio suo. Ma quale?» (www.cinematografo.it). «Esiste una prima sceneggiatura scritta dallo stesso Eduardo […]; esiste una seconda sceneggiatura di Renato Castellani […]; esiste una sceneggiatura (la terza?) di Leo Benvenuti e Piero De Bernardi, ancora troppo aderente al testo di partenza e forse non particolarmente sentita. A questo punto a Guerra viene affidato l’incarico di responsabile unico e si ricomincia tutto da capo (anche se nei titoli di testa il suo nome apparirà affiancato – forse giustamente – a quello degli illustri colleghi): rispetto del testo ma ricorso a funzionali scene aggiuntive, rispetto del “peso” dei due attori (la Loren e Mastroianni allora al top della fama) ma nessun ricorso a mezzucci equilibrativi, soddisfazione un po’ per tutti di fronte al clamoroso successo del film e una volta superata qualche perplessità iniziale di Eduardo. Anche per la critica […] la sceneggiatura (una volta tanto si parla di lei) ha “l’indubbio merito di imbastire sulle tappe assai diverse della vita dell’eroina (da ospite di lupanare a mantenuta privata, a serva di casa, a moglie per inganno), e parallelamente sull’assolutamente uniforme esistenza del maschio italiano, sempre a galla, sempre sordo ai diritti più elementari della donna, la parabola di un rapporto che, sia pure attraverso i soprassalti del sentimento, non manca di incidere nel tessuto della nostra società, per quanto riguarda questo tipo di “contratto” (Casiraghi)» (Pellizzari).

ore 21.00
Amarcord (1973)
Regia: Federico Fellini; soggetto e sceneggiatura: F. Fellini, Tonino Guerra da un’idea di F. Fellini; fotografia: Giuseppe Rotunno; scenografia e costumi: Danilo Donati; musica: Nino Rota; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Bruno Zanin, Pupella Maggio, Armando Brancia, Ciccio Ingrassia, Magali Noël, Alvaro Vitali; origine: Italia/Francia; produzione: F. C. Produzioni, P.E.C.F.; durata: 127’
L’adolescenza di Titta in un immaginario paese della Romagna, che evoca la Rimini felliniana, fra un padre antifascista, la madre bigotta, uno zio fascista, l’altro in manicomio, i compagni di scuola, la tabaccaia, Gradisca… «Quasi tutto Amarcord è danza macabra su un ilare sfondo e palio dei buffi fra quinte sinistre, con pause di assorto rapimento e amare discese agli inferi dove l’infanzia, quell’infanzia, alimenta le nostre nevrosi, la vocazione al patetico e al rissoso. Emozione e fantasia, invenzione d’artista e padronanza assoluta del mestiere si danno la mano in uno spettacolo senza ombra di intellettualismo dove nulla è vero, perché tutto è ricostruito (anche il mare), e tuttavia la realtà, portata al limite del tripudio onirico, ha come non mai peso e spessore, abitata da attrazioni e ripulse, attese e spaventi, che sono il tessuto della vita e il suo controcampo elegiaco. [...] Federico Fellini ha detto con Amarcord, sull’Italia degli anni fascisti, forse più e meglio di tanti storici di professione. Dobbiamo essere grati al suo talento» (Grazzini). «Cercai Tonino Guerra e gli dissi che volevo fare un film così. Tonino è di Santarcangelo, uno dei quartieri più poveri di Rimini, e anche lui aveva da raccontare storie simili alle mie, personaggi che avevano in comune con i miei la stessa follia, la stessa ingenuità, la stessa ignoranza di bambini mal cresciuti, ribelli e sottomessi, patetici e ridicoli, sbruffoni e umili. E in questo modo venne fuori il ritratto di una provincia italiana, una qualunque provincia, negli anni del fascismo» (Fellini). «Con Amarcord mi pare che lui e anch’io siamo riusciti a regalare l’infanzia al mondo. Insisto però il valore di questo messaggio è soprattutto suo» (Guerra).

domenica 27
ore 17.00
Uomini contro (1970)
Regia: Francesco Rosi; soggetto: dal romanzo Un anno sull’altopiano di Emilio Lussu; sceneggiatura: Antonio Guerra, Raffaele La Capria, F. Rosi; fotografia: Pasqualino De Santis; scenografia: Andrea Crisanti; costumi: Franco Carretti, Gabriella Pescucci; musica: Piero Piccioni; montaggio: Ruggero Mastroianni; interpreti: Mark Frechette, Alain Cuny, Gian Maria Volonté, Gianpiero Albertini, Pier Paolo Capponi, Franco Graziosi; origine: Italia/Jugoslavia; produzione: Prima Cinematografica, Dubrava film; durata: 101’
«Nel corso della prima guerra mondiale, i soldati del generale Leone, dopo aver conquistato, lasciando sul terreno tremila caduti, una cima considerata strategicamente indispensabile, ricevono l’ordine di abbandonarla. Poi l’ordine cambia: occorre che la cima venga di nuovo tolta al nemico. Gli austriaci, però, vi si sono saldamente insediati e la difendono accanitamente con due mitragliatrici. Gli inutili assalti, nemmeno protetti dall’artiglieria, si susseguono provocando ogni volta una strage tra gli attaccanti. Stanchi di essere mandati al massacro da un generale tanto incompetente, quanto stupidamente esaltato, una parte dei soldati inscena una protesta» (www.cinematografo.it). «Il nostro rapporto è molto caloroso, potrebbe perfino sfociare in un matrimonio, se fossimo di sesso diverso. Poiché non è nella mia natura fare dei complimenti, devo dire che tra noi qualche volta sorgono delle difficoltà marginali. Rosi viene chiamato comunemente “il professore”, e in ciò v’è una ragione. Se Rosi deve parlare di un paio di scarpe, comincia col descrivere i capelli di quello che le indossa […]. Per avere un rapporto perfetto con lui, vorrei avere una clessidra, così ciascuno parlerebbe per lo stesso tempo […]. Il mio secondo e ultimo desiderio sarebbe che Francesco si decidesse a dire più di frequente delle cose inutili, perché sono la base di tutto il resto […]. Quando vado a trovarlo sul set, Rosi mi accoglie come il guardiano del castello accoglie il proprietario, con umiltà e tenerezza. Naturalmente lo sceneggiatore così ricevuto si affretta a chiarire la situazione e a ridare a ciascuno il proprio ruolo» (Guerra).

ore 19.00
Nostalghia (1983)
Regia: Andrej Tarkovskij; soggetto e sceneggiatura: A. Tarkovskij, Tonino Guerra; fotografia: Giuseppe Lanci; scenografia: Andrea Crisanti, Mauro Passi; costumi: Lina Nerli Taviani; musica: Gino Peguri; montaggio: Erminia Marani, Amedeo Salfa; interpreti: Oleg Yankovskij, Domiziana Giordana, Patrizia Terreno, Laura De Marchi, Delia Boccardo, Milena Vukotic; origine: Italia/Francia/Unione Sovietica; produzione: Opera Film Produzione, Rai-Radiotelevisione Italiana, Sovin Film, Moskva; durata: 125’
Andrej Gonciacov è uno scrittore russo in viaggio in Italia sulle tracce di un compositore del Settecento suo conterraneo, Berezovskij, del quale sta scrivendo la biografia. È accompagnato dalla sua traduttrice una bellissima donna italiana. I due visitano alcuni luoghi di grande suggestione come la chiesa a Monterchi, dove è custodita la Madonna del parto di Piero della Francesca e Bagni Vignone, dove usava andare a curarsi Santa Caterina. La bellezza di questi luoghi rende ancora più cocente la nostalgia che Andrej sente per la sua famiglia e il suo Paese. «Prima o poi Guerra doveva pervenire a lavorare con un russo, e Tarkovskij – da cui pur lo separano l’ascetismo e il misticismo – godeva da tempo della sua incondizionata stima. L’incontro nacque quindi sotto i migliori auspici, come affermerà il regista: “Io sono gratissimo a Tonino Guerra. È una persona straordinariamente dotata. Ma è soprattutto un poeta. È accaduta con lui una cosa rara: mi ha capito perfettamente e io ho capito lui» (Pellizzari).

ore 21.15
Ginger e Fred (1985)
Regia: Federico Fellini; soggetto: F. Fellini, Tonino Guerra; sceneggiatura: F. Fellini, T. Guerra, Tullio Pinelli; fotografia: Tonino Delli Colli, Ennio Guarnieri; scenografia: Dante Ferretti; costumi: Danilo Donati; musica: Nicola Piovani; montaggio: Nino Baragli, Ugo De Rossi, Ruggero Mastroianni; interpreti: Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi, Frederick Ledebur, Augusto Poderosi, Claudio Botosso; origine: Italia/Francia/Germania; produzione: Pea, Rai – Radiotelevisione Italiana, Les Films Ariane, Revcom Film, F3, Stella Film, Anthea; durata: 127’
«Fellini ha fatto un film della maturità alla maniera dei grandi comici: prevale la malinconia, ma il carattere visionario non s’è perso (se il protagonista è come il Calvero di Chaplin, il quadro è un grottesco “1984” visto a posteriori col presentatore al posto del Grande fratello, il “1985” di Fellini). Si vedrà se la prima parte non sia troppo sottotono e prosaica rispetto allo splendore dell’esplorazione dentro il palazzo TV; ma va detto subito che Mastroianni è superbo, irripetibile (lo sguardo profondo di un disperato qualunque, ma anche di un alter ego poetico) e assai brava la Masina, opponendo all’omologazione televisiva la forza più antica della rispettabilità, della banalità più generosa. Forse, in un momento di buio ci daremo la mano» (Reggiani).

lunedì 28
chiuso

29-31 maggio 
Carmelo Bene. Il cinema, oppure no
«Sarebbe possibile un cinema come quello di Carmelo Bene, oggi? Io mi azzardo a rispondere in modo categorico, anche se forse non è giusto: no. Perché? Perché manca il senso della libertà. Oggi si vuole produrre o realizzare qualcosa per cui lo spettatore si senta soddisfatto nel ritrovarsi nei suoi schemi usuali, dolorosi o felici, sognanti o realistici, ma sempre attraverso un filo narrativo che non deve mai perdere, perché non va al di là dello schema a cui è abituato fin dalla scuola, dalla scuola che insegna ad essere pedanti e quindi non liberi. Ci si sente obbligati a non frastornarlo, a chiarirgli tutto, a mantenerlo in una situazione di tranquillità narrativa: succede questo e poi quest’altro, e lui deve capire lo svolgimento conseguente, secondo la necessità naturale a cui l’uomo si sente sottomesso. Manca totalmente il senso dell’ironia, del sarcasmo, del mettersi in ridicolo (il caso di Ciprì e Maresco potrebbe rappresentare un’eccezione). Il ruolo principale nel cinema è sempre un eroe. Carmelo è l’anti-eroe. Carmelo nelle sue opere ci libera. Ci fa pensare e ci fa ridere di noi stessi. Oggi siamo troppo presi dalle analisi burocratiche mentali che ci fanno perdere il senso del ridicolo. Vorrei citare a questo proposito una frase di Christian Morgenstern: “Se osservo un gruppo di persone appartenenti alla ‘buona società’, vedo che è tutta gente che si può amare per l’uno o per l’altro tratto della loro natura; tutti sono amabili, chi poco, chi molto. Bisognerebbe però inoculare pressoché in ognuno di essi il veleno di una debole ma continua inquietudine. Troppo poco essi vogliono trascendere se stessi, hanno in sé troppa poca crescita, troppo poca sete di vagabondaggio. Essi credono di avere trovato se stessi a trent’anni, e chiamano ciò: essere adulti, e già si siedono per riposare con se stessi. Essi non sapranno più fare né dire nulla d’inaspettato; eppure bisognerebbe aspettarsi qualcosa d’inaspettato da ogni uomo in ogni ora. Si potrà calcolare il loro corso come se essi fossero qualcosa di molto comune: eppure sono la cosa più straordinaria del mondo, e cioè degli uomini, e portano in sé la cosa più incalcolabile del mondo, e cioè un’anima capace di ogni cosa inaudita”.
Ecco, Carmelo ha commesso questo inaudito».
Mario Masini 
Programma a cura di Fulvio Baglivi e Maria Coletti
Si ringrazia per la collaborazione Rai Teche

martedì 29 
ore 17.00 
Carmelo Bene in Carmelo Bene - 4 momenti su tutto il nulla (2001-2004) 
saltato per mancata liberatoria e sostituito da un collage di immagini
Regia: Carmelo Bene; montaggio: Alessandro Buonomo; origine: Italia; produzione: Nostra Signora S.r.l., Sacha Film Company, Rai Trade; durata: 105’
Ultima opera di Carmelo Bene, realizzata per Rai 2 Palcoscenico nel 2001 e trasmessa in due puntate il 25 luglio e il 1° agosto 2004: quattro momenti/monologhi girati con inquadratura fissa e dedicati ad altrettanti argomenti: Momento 1 - Il Linguaggio; Momento 2 - La Conoscenza/Coscienza; Momento 3 - L’Eros; Momento 4 - L’Arte.
Copia per gentile concessione di Nostra Signora S.r.l., Sacha Film Company, Rai Teche - Ingresso gratuito

ore 19.00
Carmelo Bene. Un ritratto (1971)
di Monica Maurer, Dietrich Schubert; durata: 30’
Un omaggio in forma di frammento, con testimonianze di Mario Masini e Lydia Mancinelli. 
Versione originale tedesca con sottotitoli in italiano

a seguire 
Incontro con Enrico Magrelli, Fulvio Baglivi, Maria Coletti, enrico ghezzi, Donatello Fumarola, Monica Maurer
Nel corso dell’incontro sarà presentato il libro, a cura di Fulvio Baglivi e Maria Coletti, Carmelo Bene. Il cinema, oppure no (collana I Quaderni della Cineteca Nazionale)

ore 20.30
Il barocco leccese (1968)
Regia: Carmelo Bene; fotografia: Mario Masini; origine: Italia; produzione: Nexus Film; durata: 10’
Cortometraggio/documentario – il primo dei tre che Carmelo Bene si era accordato di girare per la Nexus Film – sull’architettura e le statue del duomo di Lecce. Alcune sequenze finiranno nel montaggio di Nostra Signora dei Turchi.
Ingresso gratuito

a seguire
Nostra Signora dei Turchi (1969)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene; fotografia: Mario Masini; coordinamento musicale: C. Bene; montaggio: Mauro Contini; interpreti: C. Bene, Lydia Mancinelli, Ornella Ferrari, Anita Masini, Salvatore Siniscalchi, Vincenzo Musso; produzione: Carmelo Bene, Nexus Film; origine: Italia; durata: 125’
Premio speciale della Giuria alla XXIX Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia («per la totale libertà con cui ha espresso la sua forza creativa mediante il mezzo cinematografico»). «Nostra signora dei Turchi è un melodramma, ma non per la melodia che arriva alle orecchie, per la melodia che arriva agli occhi. La musica ci libera dalle idee, da ogni cosa. Non credo che alla musica, e, grazie a Dio, non ho mai imparato a scriverla o a leggerla. Verdi ha creato un’arte drammatica per le orecchie, non per gli occhi. Io faccio il contrario. Verdi creava azioni per le orecchie, io creo musica per gli occhi. Credo sia la stessa cosa» (Bene).
Ingresso gratuito

mercoledì 30
ore 17.00
Edipo re (1967)
Regia: Pier Paolo Pasolini; soggetto e sceneggiatura: Pier Paolo Pasolini, liberamente tratta da Edipo re e Edipo a Colono di Sofocle; fotografia: Giuseppe Ruzzolini; scenografia: Luigi Scaccianoce; costumi: Danilo Donati; musica: P. P. Pasolini; montaggio: Nino Baragli; interpreti: Silvana Mangano, Franco Citti, Alida Valli, Carmelo Bene, Julian Beck, Ninetto Davoli; origine: Italia/Marocco; produzione: Arco Film, Somafis; durata: 110’
Versione della tragedia di Sofocle in forma di saggio, con gli opportuni riferimenti alla psicanalisi. La storia dell’uomo che, inconsapevolmente, uccide il padre, sposa la madre e, quando scopre la verità, si acceca diventa per Pasolini un dramma universale e al tempo stesso autobiografico. Prologo negli anni Venti, epilogo nella Bologna moderna, parte centrale in una immaginosa Grecia barbara e fuori dal tempo (ricostruita in Marocco). Questa è la prima apparizione su un set cinematografico di Carmelo Bene come attore, a segnare l’inizio di quella “parentesi cinematografica” che va dal 1967 al 1972 e che gli darà notorietà e risonanza internazionale, in Italia non senza scandali e attacchi feroci, non solo dalla critica dei detrattori ma anche dagli spettatori comuni, che causarono devastazioni selvagge e incendi nelle sale in cui avvenivano le proiezioni.

ore 19.00
Un Amleto di meno (1973)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene, liberamente tratto da Hamlet, ou les suites de la piété filiale di Jules Laforgue; fotografia: Mario Masini; scene e costumi: C. Bene; coordinamento musicale: C. Bene; montaggio: Mauro Contini; interpreti: C. Bene, Lydia Mancinelli, Alfiero Vincenti, Pippo Tuminelli, Franco Leo, Isabella Russo; origine: Italia; produzione: Donatello Cinematografica; origine: Italia; durata: 70’
«Pellicola a doppia perforazione. Stavolta il corpo è svanito del tutto. Lo presentai nel maggio successivo a Cannes. Comunque alla versione filmica preferisco senza dubbio quella televisiva» (Bene).

a seguire
Amleto di Carmelo Bene (da Shakespeare a Laforgue) (1974-1978)
Scene e costumi: Carmelo Bene; fotografia: Giorgio Abballe; musica: Luigi Zito; montaggio rvm: Gaetano Marguccio; interpreti: C. Bene, Alfiero Vincenti, Jean-Paul Boucher, Franco Leo, Paolo Baroni, Luigi Mezzanotte; origine: Italia; produzione: Rai; durata: 63’
Realizzato nel 1974 e trasmesso da Rai 2 il 22 aprile 1978. «La girai due anni dopo Un Amleto di meno per Massimo Fichera, direttore di Rai Due. Tutta in bianco e nero (esclusi i grigi). Tirammo fuori dei neri inchiostrati straordinari, l’équipe tecnica era di altissimo livello, tutta gente che la Rai non ha mai più avuto. Per l’Amleto mi serviva il bianco e nero in senso espressivo. Volevo sottolineare violentemente i contrasti e abolire il grigio. Tutte le sfumature di grigio che inquinano le immagini del bianco e nero quando è usato in maniera distratta o abitudinaria» (Bene).
Copia per gentile concessione di Rai Teche - Ingresso gratuito

ore 21.20
Bis (1966)
Regia: Paolo Brunatto; fotografia: Mario Masini; montaggio: Pino Giomini; interpreti: Carmelo Bene, Lydia Mancinelli, Maria Monti, Ornella Ferrari, Sylvano Bussotti, Vittorio Gelmetti; origine: Italia; produzione: Nexus Film; durata: 20’ 
Paolo Brunatto e Mario Masini (poi autore della fotografia dei film di Bene) filmano le prove del primo atto dello spettacolo Il rosa e il nero, tratto da Lewis, nell’appartamento di Maria Monti a vicolo del Cinque a Trastevere. Nel film compaiono Sylvano Bussotti, Aldo Braibanti, Vittorio Gelmetti e il cantautore Silvano Spadaccino. L’arte di Bene è qui racchiusa in una frase: «Non si può continuare a prostituire l’idea di teatro, che vale soltanto per un legame magico, atroce, con la realtà».

a seguire
Hermitage (1968)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene; fotografia: Giulio Albonico; montaggio: Pino Giomini; musica: Vittorio Gelmetti; interpreti: Carmelo Bene, Lydia Mancinelli; produzione: Nexus Film; origine: Italia; durata: 25’
«Il corpo, sacralizzato da una tradizione complessa e spesso contraddittoria (si pensi all’affollata cristologia occidentale), viene sistematicamente travagliato, disorganizzato, devastato. In Hermitage comincia già con le cose, con le scarpe scambiate a inizio del film, continua nei letti sfasciati e continuamente rifatti ma in modo tale che, ironicamente, siano ancora più sfasciati di prima; continua nelle masse dei cuscini in cui il corpo, cerca, non trovandola, una sistemazione mai adeguata alla finalità di ciò che suppone» (Jean-Paul Manganaro).

a seguire
Don Giovanni (1970)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene; voce fuori campo: John Francis Lane; fotografia: Mario Masini; scenografia: Salvatore Vendittelli; coordinamento musicale: C. Bene; montaggio: Mauro Contini; interpreti: Carmelo Bene, Lydia Mancinelli, Vittorio Bodini, Gea Marotta; produzione: Carmelo Bene; Italia; durata: 70’
«Oscar Wilde diceva: La fantasia imita, ma è lo spirito critico che crea. Nel Don Giovanni ho fatto della critica. La critica è all’opera in ogni inquadratura. Perché dunque fare ancora della critica, dopo? È superfluo che ci sia una prima e una seconda critica. La critica è la diffamazione. Nel cinema esiste il montaggio, sicché il film non è soltanto già scritto, ma anche già letto, dal momento che viene montato. Sicché, è già criticato, criticato, criticato. Un’ultima critica che si aggiunga al montaggio non può che essere una diffamazione» (Bene).

giovedì 31
ore 17.00 
Carmelo Bene. Le tecniche dell’assenza (1984)
Regia teatrale: Carmelo Bene; scene e costumi: C. Bene; fonici: R. Chessari, G. Burroni; elettricista: M. Carletti; macchinisti: F. Bonanni, E. Potenza; direzione di scena: M. Contini. Regia del video: F. Marotti; cura del video: Maurizio Grande; riprese: A. Muschietti; fonico: G. Cabiddu; tecnico video: S. Casaluci; montaggio: A. Conforti; produzione: Centro Teatro Ateneo; durata: 92’
Il Macbeth di Carmelo Bene – un progetto di Ferruccio Marotti a cura di Maurizio Grande – si compone di due audiovisivi girati da Marotti nel 1982 ed editi da Grande nel 1984: Le tecniche dell’assenza e Concerto per attore solo. I video ricostruiscono gli elementi strutturali della messinscena di Carmelo Bene attraverso immagini tratte dall’eccezionale videoregistrazione in tempo reale di 32 giornate di prove di scrittura di scena di Bene uomo-teatro, per un teatro di non-rappresentazione, massacro dei classici (Macbeth è un ricco pazzo internato in una clinica di lusso assistito da un’infermiera sado-maso che è Lady Macbeth). Dal video – unico esistente su Carmelo Bene in prova – emergono con chiarezza gli elementi di fondo della sua poetica: le tecniche dell’assenza, il depensamento, lo stream of consciousness, la phoné, la macchina attoriale, la sospensione del tragico, l’incomunicabilità, l’irrappresentabilità.
In collaborazione con Centro Teatro Ateneo - Ingresso gratuito

a seguire
Il canto d’amore di Alfred Prufrock (1967)
Regia: Nico D’Alessandria; soggetto e sceneggiatura: N. D’Alessandria; fotografia: Elio Bisignani, Michele Picciaretta; ambientazione: Francesco della Noce; suono: Luciano Berio; voce: Carmelo Bene; interpreti: N. D’Alessandria; durata: 20’
La voce di Carmelo Bene è protagonista assoluta de Il canto d’amore di Alfred Prufrock, saggio di diploma al Centro Sperimentale di Cinematografia di Nico D’Alessandria, il regista dell'indimenticabile L’imperatore di Roma, il cui motto preferito, «questo cinema va distrutto!», sarebbe piaciuto allo stesso Bene.
Ingresso gratuito

ore 19.00
Capricci (1969)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene; fotografia: Maurizio Centini; coordinamento musicale: C. Bene; montaggio: Mauro Contini; interpreti: C. Bene, Anne Wiazemsky, Tonino Caputo, Giovanni Davoli, Ornella Ferrari, Gianfranco Fusco; origine: Italia; produzione: BBB (Gianni Barcelloni, Carmelo Bene, Jacques Brunet); origine: Italia; durata: 95’
«È un capriccio di Nostra Signora. A differenza di Nostra Signora dei Turchi, Capricci è il nulla assoluto, nell’arte, nella vita, nell’amore, nella passione, in tutto: il nulla, insomma. Tutto è falso. Nei miei film non si deve credere ai personaggi, non si deve credere a nulla» (Bene).

ore 21.00
Frammento di backstage di Salomè (1971/1972)
di Monica Maurer; durata: 15’ 
Sul set di Salomè: materiale filmato da Monica Maurer che all’epoca era aiuto regista di Carmelo Bene. Riprese in super8, riversato per l’occasione su dvd.
Ingresso gratuito

a seguire
Salomè (1972)
Regia: Carmelo Bene; soggetto e sceneggiatura: C. Bene, liberamente tratto da Salomè di Oscar Wilde; fotografia: Mario Masini; scene: C. Bene; interventi speciali: Gino Marotta; coordinamento musicale: C. Bene; montaggio: Mauro Contini; interpreti: C. Bene, Lydia Mancinelli, Alfiero Vincenti, Donyale Luna, Veruschka, Piero Vida; origine: Italia; produzione: Carmelo Bene; durata: 80’
«Salomè è tante altre cose. È l’impossibilità del martirio in un mondo presente, non più barbaro, ma esclusivamente stupido. Una specie di Salambô multirazziale, tecnologicamente avanti di almeno trent’anni. La scommessa del colore. Della luce. Salomè non colora più gli oggetti, li illumina. Anticipai di vent’anni la tecnica dei videoclip». (Bene).
Ingresso gratuito

ore 22.40
L’Ulisse di James Joyce secondo Carmelo Bene (1988, 17’) 
Carmelo Bene legge dei passi del romanzo di Joyce per la trasmissione Una sera, un libro.
Copia per gentile concessione di Rai Teche - Ingresso gratuito